 Subjects -> PHILOSOPHY (Total: 762 journals)
| A B C D E F G H I J K L M N O P Q R S T U V W X Y Z | | The end of the list has been reached or no journals were found for your choice. |
|
|
- Coordenadas para una estética materialista posthumana situada
- El Plantacionoceno en el «desierto» argentino. Las aventuras de la China
Iron como narrativa indisciplinada para la alteración de mundos
Abstract: Resumen De acuerdo con la formulación de Haraway y Tsing, el Plantacionoceno sería un modo de nombrar esta época que permitiría, con mayor especificidad que el Antropoceno, señalar las características del sistema mundial moderno. En este artículo revisamos las diferentes versiones del Antropoceno y el tipo de problemas que habilita (especialmente los de la escala y la agencia material). Luego nos abocamos a la emergencia de la noción de simbiosis como forma de hacer comunidad más allá de lo humano tal como aparece primero en Michel Serres y luego en Haraway, el marco ofrecido por la ecocrítica materialista y el modo en que el Plantacionoceno se justifica. Adoptando este enfoque, leemos las narrativas fundacionales de la identidad argentina como aquellas donde esta es figurada como la del varón valiente (primero un marginal y luego un héroe nacional) cuya tarea principal es borrar (material y simbólicamente) el legado indígena. Por último, abordamos la novela de Gabriela Cabezón Cámara, Las aventuras de la China Iron , donde el poema épico nacional de José Hernández, Martín Fierro , es totalmente re-escrito. A lo largo de esta indisciplinada narración de alteración de mundos, la plantación es transformada en una humildad no jerárquica que nos ubica en el umbral de un plantismo queer. According to Haraway and Tsing’s formulation, the Plantationocene would be a term for this epoch that could point to the characteristics of the modern world system with greater specificity than the Anthropocene. In this paper we review the different versions of the Anthropocene and the kind of problems it addresses (especially those of scale and material agency). We then turn to the emergence of the notion of symbiosis as a kind of community-making beyond the human as it appears first in Michel Serres and then in Haraway, the frame provided by the material ecocriticism and the rationale given for the term Plantacionocene. In this approach, we read the foundational narratives of Argentine identity as those in which identity is figured as that of the brave male (first a marginal and then a national hero) whose main task is to erase (materially and symbolically) the indigenous legacy. Finally, we turn to Gabriela Cabezón Cámara’s novel, Las aventuras de la China Iron , in which José Hernández’s national epic poem, Martín Fierro , is entirely rewritten. Throughout this undisciplined, world-altering narrative, the plantation is transformed into a non-hierarchical form of humility that places us on the threshold of a queer plantism.
- Stifters Dinge o la ópera tribunal
Abstract: Resumen A partir de Stifters Dinge del compositor alemán Heiner Goebbels, y considerando en particular su puesta en el Teatro Colón de Buenos Aires en febrero de 2016, se reflexionará sobre la ópera experimental como un marco posible de la interrupción de «lo humano» en tanto mito fundante de la modernidad, como erosión, entonces, de la metafísica occidental y de los binomios que la estructuran: naturaleza y cultura, sujeto y objeto, agente e inerte, acción y reposo e, incluso, vida y muerte. De este modo, analizaremos la desestabilización que la obra activa sobre el concepto de «naturaleza» entendida como aquel fondo de lo existente sobre el cual el ser humano se recorta como excepción y dueño. Reflexionaremos, así, sobre la puesta en escena de agencias materiales, entidades que no están vivas pero que tienen efectos sobre la sensibilidad, y en torno a la huida de la primacía de la visión y la perspectiva como manera hegemónica de ordenar el entorno. Proponemos abordar a Stifters Dinge como una reelaboración del teatro musical y como una instalación de sitio específico con el fin de plantear que, en su presentación en Buenos Aires, abrió la posibilidad de recrear a la ópera como tribunal cosmopolítico y parlamento de las cosas. Starting with Stifters Dinge by the German composer Heiner Goebbels and considering in particular its staging at the Teatro Colón in Buenos Aires in February 2016, we will reflect on experimental opera as a possible framework for the interrogation of «the Human» as a founding myth of modernity. We will look at how experimental opera erodes, then, Western metaphysics and the binaries that structure it: nature and culture, subject and object, agency and inertia, action and rest, and even life and death. In this way, we will analyze how Goebbel’s work destabilizes the concept of «Nature» as a system upon which man acts as an exception, owner, and sovereign. Reflecting on the staging of material agencies –entities that are not alive, but which have effects on emotion–we will consider the turn from the primacy of vision and from perspective as an hegemonic way of ordering the environment. We propose to approach Stifters Dinge as a reworking of musical theater and as a site-specific installation in order to propose that, in its presentation in Buenos Aires, it opened the possibility of recreating opera as a cosmopolitical tribunal and a parliament of things.
- Fundir el espejo y esculpir la imagen. Tarkovsky, agricultura y la
transformación del paisaje
Abstract: Resumen En su libro The Cinematic Footprint (2012), la teórica de los estudios sobre el cine Nadia Bozak propone un análisis de la producción cinematográfica basado en su relación con los consumos y los recursos naturales de los que esta depende. Desde este punto de vista, este artículo parte de tres escenas de la filmografía del realizador ruso Andrei Tarkovsky para examinar, desde las condiciones materiales de su producción, un campo de interacciones entre imagen y transformación del paisaje más allá de la representación. El trabajo de Tarkovsky es entonces analizado en este texto desde el marco de las relaciones trabadas a lo largo del siglo xx entre imagen, extractivismo y crecimiento vegetal. En particular, los planos examinados son puestos en relación con programas de colonización agraria, agricultura de precisión y técnicas de reforestación como el bombardeo de semillas. El contraste entre la naturaleza extractivista de la mediación por la imagen en estos casos y el carácter de «práctica de cine vegetal» con el que ha sido descrito el cine de Tarkovsky (Uhlin) invitan a rearticular la diferencia entre imagen y crecimiento vegetal en términos de los llamados «medios elementales» introducidos durante la última década en el ámbito de la teoría de los medios. In her book The Cinematic Footprint (2012), film studies scholar Nadia Bozak proposes an analysis of the cinematographic production of images based on the consumption of energy and matter resources upon which it depends. From this point of view, this article examines three scenes from the filmography of the Russian director Andrei Tarkovsky. By inquiring about the material conditions of his production, a field of interactions beyond representation between image and landscape transformation is brought to the foreground. Tarkovsky’s work is then analyzed in this text from the relationships established throughout the 20th century between image, extractivism and plant growth. In particular, the examined sequences will be related to agrarian colonization programs, precision agriculture practices and reforestation techniques such as seed bombardment. The contrast between the extractivist nature of these cases and the character of «vegetable cinema practice» with which Tarkovsky’s cinema has been described (Uhlin) invites us to rearticulate the difference between image and plant growth in terms of the so-called elemental media approach introduced during the last decade in the domain of media theory.
- Horizontes y nubes de polvo. Un recorrido heterocrónico por figuras
de la pampa argentina
Abstract: Resumen Este artículo analiza una constelación heterocrónica compuesta por nueve figuras de horizontes y de nubes de polvo de la pampa argentina provenientes de la literatura y de las artes visuales de los siglos xix, xx y xxi. Según se sostiene a partir de un estudio teórico de diversas fuentes filosóficas, las imágenes son nudos semiótico-materiales, espejos emancipados de la servidumbre humana y voces no antropológicas en los que tiene lugar una configuración estético-política particular del espacio. Las figuras de horizontes están organizadas en función del ojo humano y ponen el espacio bajo su dominio. En cambio, en las nubes de polvo en las que danzan y se conectan los existentes, la configuración humana se encuentra deshecha. This article analyzes a heterochronic constellation composed of nine figures of horizons and clouds of dust from the Argentine pampas taken from the literature and visual arts of the 19th, 20th and 21st centuries. Based on a theoretical study of different philosophical sources, it is argued that images are semiotic-material knots, mirrors emancipated from human servitude and non-anthropological voices in which a particular aesthetic-political configuration of space takes place. The horizon figures are organized according to the human eye and space is under their control. In contrast, in the clouds of dust in which existing beings dance and connect, the human configuration is undone.
- Imaginar una forma neobarrotóxica de leer y escribir la materia.
Aproximaciones al poemario Los ligámenes de Mauro Césari
Abstract: Resumen El presente trabajo propone una lectura del libro de poemas Los ligámenes de Mauro Césari. Parte de la «escena» de la catástrofe que el libro repone: el colapso de dos diques mineros en Minas Gerais y el avance de un alud de barro tóxico sobre el poblado y los ríos de la región. Desde allí, busca cartografiar la imaginación material propuesta por el poemario, indagando específicamente en la concepción de escritura de la materia que el libro despliega y en la máquina de lectura que ella supone. Con ese objetivo, recupera la tradición de lectura y escritura propuesta por el neobarroso en un intento por proponer una modulación neobarrotóxica para leer la singularidad de esta escritura. This article proposes a reading of the book of poems Los ligámenes by Mauro Césari. It pays attention to the «scene» of the catastrophe that the book exposes: the collapse of two mining dams in Minas Gerais and the avalanche of toxic mud on the town and the rivers of the region. From there, it aims to map the material imagination proposed by the collection of poems, specifically investigating the conception of matter’s writing that the book displays and the reading machine that it supposes. To do so, it attends to the tradition of reading and writing proposed by the neobarroso in an attempt to suggest a neobarrotoxic modulation to read the uniqueness of this poetic writing.
- Siguiendo la huella: dibujando líneas en el suelo
Abstract: Resumen Las reflexiones que conforman el presente artículo intentan brindar un aporte a la cuestión de la naturaleza y de la problemática medioambiental desde el punto de vista de lo que denominaremos una filosofía del suelo. Se emprenderá dicha tarea a través de los planteos de una serie de autores y autoras pertenecientes a la contemporaneidad filosófica que se han preocupado, en distinta medida y de modos muy diferentes, por la problemática de la tierra o el suelo: Donna Haraway, Tim Ingold y Bruno Latour. En el caso de Haraway nos concentraremos en la crítica a la práctica filosófica que se desprende de su análisis del vínculo del viviente con la tierra. Con respecto a Ingold, explicitaremos su denominada teoría de las líneas, de la cual se desprende una noción de suelo que representa un giro en el pensamiento filosófico en torno a lo táctil. En último término analizaremos la concepción latouriana de la tierra, poniendo el acento en el binomio terrestres/humanos. El enfoque priorizará los entrelazos entre los mismos y el desarrollo de elementos que nos permitan un entrecruzamiento de sus respectivas teorías. This article will try to inquire into the question of nature and environmental problems from the point of view of what we will call a ground philosophy. We’ll undertake this task through the proposals of a series of contemporary authors who have been concerned, to different degrees and in very different ways, with the problem of land or ground: Donna Haraway, Tim Ingold and Bruno Latour. In the case of Haraway we will focus on the criticism of the philosophical practice that emerges from his analysis of the link between the living being and the earth. With respect to Ingold, we will explain his so-called theory of lines, from which a notion of ground emerges that represents a turn in philosophical thought around the tactile. Lastly, we will analyze the Latourian conception of the earth, emphasizing the terrestrial/human binomial. The approach will prioritize the interlocks between them and the development of elements that allow us to interweave their respective theories.
- Consideraciones sobre el imaginario estético astronómico en el ejemplo
de Campo del cielo
Abstract: Resumen En este texto trabajaré con la madeja que enreda la Tierra y el cielo, desde un punto de vista estético-imaginario. Para ello recorreré algunas discusiones contemporáneas que considero que pueden funcionar como puntas del ovillo en cuestión. Por un lado, revisaré algunas de las ideas de Peter Sloterdijk para pensar el problema de la globalización como particular declinación del viejo problema ontológico de la esfera. Por otro lado, recuperaré algunos elementos del horizonte de trabajo de la astronomía cultural que permitirán describir la trama social del cielo y a la vez la relación material cielo-tierra. Es a partir de aquí que propondré una lectura que considero necesaria y novedosa en el contexto de las discusiones en torno al posthumanismo y los nuevos materialismos: la necesaria inclusión del cielo como problema material y posthumano. Basándome en este último enfoque, analizaré algunas obras de Faivovich y Goldberg que forman parte del proyecto en torno a Campo del cielo. This paper explores the entanglement between the earth and the sky, from an aesthetic-imaginary point of view. To do so, we will go through some contemporary discussions that we consider can illuminate the problem addressed. On the one hand, we will review some of Peter Sloterdijk’s ideas to think the problem of globalization as a particular declination of the old ontological problem of the sphere. On the other hand, we will recover some elements of cultural astronomy field, which will allow us to describe the social fabric of the sky and at the same time the material relation sky-earth. It is from here that we will propose a perspective that we consider necessary and original in the context of the discussions on posthumanism and new materialisms: the inclusion of the sky as a material and posthuman problem. Based on this last approach, we will analyse some works by Faivovich and Goldberg that are part of the project on Campo del cielo .
- Derivas del serialismo en las obras electrónicas de Karlheinz
Stockhausen. Mediación técnica y producción de híbridos en el
Laboratorio de la WDR
Abstract: Resumen Durante la década de 1950 Karlheinz Stockhausen adhirió a los principios modernistas promovidos por la Escuela de Darmstadt que dieron lugar al desarrollo del serialismo integral. En su búsqueda de renovación del lenguaje musical, Stockhausen intentó aplicar esta técnica a la composición de obras electrónicas en el laboratorio de la WDR (Westdeutscher Rundfunk) en Colonia. Este artículo indaga, por medio del concepto de mediación técnica propuesto por Bruno Latour, cómo el intercambio de propiedades entre humanos y no humanos propiciado por el laboratorio fue modificando el proyecto serial. Como resultado de ese proceso, Stockhausen compuso una serie obras que no pudieron ser completamente prefiguradas a priori , hecho que demandó la creación de nuevas formas de escucha y notación musical. A partir de ello, buscaremos caracterizar la práctica compositiva de Stockhausen desde una perspectiva no modernista, haciendo hincapié en el carácter híbrido y relacional de los eventos musicales. During the 1950s Karlheinz Stockhausen adhered to the modernist principles promoted by the Darmstadt School that led to the development of integral serialism. In his pursuit of renovation of the musical language, Stockhausen tried to apply this technique to the composition of electronic works at the WDR (Westdeutscher Rundfunk) laboratory in Cologne. This article inquires, through the concept of technical mediation proposed by Bruno Latour, how the exchange of properties between humans and non-humans inside the laboratory modified the serial project. As a result of this process, Stockhausen composed a series of works that couldn’t be completely prefigured a priori , a fact that led to the creation of new forms of listening and musical notation. From that, we will seek to characterize Stockhausen’s compositional practice from a non-modernist perspective, emphasizing the hybrid and relational character of musical events.
- Por una lingüística inespecífica: la inquietud ancestral de
la voz
Abstract: Resumen En este artículo abordamos la pregunta por la materia de la voz a partir de dos nociones centrales: articulación y ancestralidad, en el marco de la propuesta singular de una lingüística insumisa, imaginada, indisciplinar, inespecífica. Desde las reflexiones de Agamben, De Certeau, Derrida, Saussure y Zumthor, este texto propone abrir una zona de indagación que asume los riesgos de la ficción (Didi-Huberman) para habilitar interrogantes que no solo expanden los horizontes disciplinares, sino fundamentalmente discuten la pertenencia (humana/no humana) de la voz. Desde la hipótesis de que la voz es infinita (Agamben), discutimos la noción de articulación desde los postulados de Saussure y la lectura que hace Derrida de Rousseau. Con la idea de que la voz es un ancestro del futuro (Didi-Huberman y Coccia), abordamos la cuestión de la ancestralidad revisando algunos postulados de Brisset y Darwin. El propósito fundamental aquí no es solo poner en cuestión las nociones mencionadas; también buscamos concluir con una evidencia: la necesidad de una indisciplina que sea permeable a la in-especie-ficidad de la voz. This article analyzes the matter of the voice from two central notions: articulation and ancestry; and we propose an insubordinate, imagined, undisciplined, unspecific linguistics. From the reflections of Agamben, De Certeau, Derrida, Saussure and Zumthor, this text discusses the belonging (human / non-human) of the voice. From the hypothesis that the voice is infinite (Agamben), we discuss the notion of articulation from the theories of Saussure and Rousseau (read by Derrida). We postulate that the voice is an ancestor of the future (Didi-Huberman and Coccia), and we approach the question of ancestry from the theories of Brisset and Darwin. The main objective is to discuss the aforementioned notions and conclude with the proposal of an indiscipline that considers the non-specificity of the voice.
- El subjectil fotográfico. Esbozo desde una inflexión
poshumana
Abstract: Resumen ¿Qué es lo que salta a la vista en el objeto fotográfico' ¿Cuál es ese fondo sin fondo que constituye toda superficie fotográfica y que nos interpela, nos enfrenta y sobre la cual se sigue el desconcierto' Este artículo ensaya una perspectiva poshumana de acercamiento a un conjunto de artefactualidades fotográficas que desafían los órdenes de un constructivismo cultural imperante como paradigma de interpretación de dichos objetos y traza ciertos caracteres de una aproximación más allá de lo humano al medio fotográfico. En función de esto se aventurará un itinerario de vinculación con estos objetos técnicos desde la noción derridiana del subjectil como el lugar de nacencia de toda fotografía, su materialidad como horizonte y facticidad desde la cual toda fotografía se expresa. Trazar este recorrido implicará describir las intensidades de ciertos soportes fotográficos, la huida de la fotografía de un antropismo consustancial, de su condición de imagen cultural y visual para, finalmente, delinear los alcances de una materialidad fotográfica en los términos propuestos por la inflexión poshumana contemporánea. What is it that leaps to the eye in the photographic object' What is that bottomless background that constitutes every photographic surface and that questions us, confronts us and on which the bewilderment follows' This article attempts a posthuman perspective of approach to a set of photographic artifactualities that defy the orders of a prevailing cultural constructivism as a paradigm of approach to such objects and traces certain characters of a reading beyond the human to photography. Accordingly, we will venture an itinerary of approach to these technical objects from the Derridian notion of the subjectile as the birthplace of all photography, its materiality as horizon and facticity from which all photography expresses itself. Tracing this itinerary will imply describing the intensities of certain photographic supports, the escape of photography from a consubstantial anthropism, from its condition of cultural and visual image to, finally, delineate the scope of a photographic materiality in the terms proposed by the contemporary posthuman inflection.
- Cosmoestética del afuera. Extranjeridad poshumana en dos obras de
Claudia Fontes
Abstract: Resumen Este artículo se propone contribuir a la elaboración de una cosmoestética materialista poshumana que permita, por un lado, pensar la agencialidad propia de la materia involucrada en las obras de arte por fuera de la lógica artista/forma –material/formado–; y, por el otro, experimentar con opciones no antropocentradas para la imaginación y la percepción. Se presentan los lineamientos generales de una tal propuesta a partir de una relación con el concepto cosmopolítica y se plantea la prestación del arte en el contexto actual de descalabro de las escalas espacio-temporales. Finalmente, se analizan la serie de pequeñas estatuillas Foreigners y el Proposal for the High Line Plinth , que implicaba la producción de ese mismo tipo de figuras, pero de 6 metros de alto, de la artista argentina Claudia Fontes, con el objetivo de pensar en ellas la perspectiva ontológica relacional y la dimensión política involucrada en la diplomacia más-que-humana que proponen. This article aims to contribute to the elaboration of a posthuman materialist cosmoaesthetics. Such a cosmoaesthetics would allow, on the one hand, to think about the agency inherent to the matter involved in works of art outside artist/form –material/formed logic; and on the other, would permit to experiment with non-anthropocentric options for imagination and perception. The general guidelines of this proposal are presented from a relationship with the concept of «cosmopolitical proposal» and it’s evaluated the specific provision of art in the current context of the collapse of the space-time scales. Finally, it presents an analysis of the Argentine artist Claudia Fontes’ series of small statuettes Foreigners and the Proposal for the High Line Plinth (which involved the production of the same type of figures but 6 meters high), from a relational ontological perspective and to think the political dimension involved in the more-than-human diplomacy that they propose.
- «Al compás de la semana» de Roxane, o una sección para mujeres
encubierta (1927-1930)
Abstract: Resumen «Al compás de la semana» es una sección de la revista Zig-Zag que se publicó entre 1927 y 1930 en la que convergió la acción editorial y escritural de Elvira Santa Cruz Ossa (Roxane). En este artículo, por un lado, se reflexiona sobre el carácter de la sección y se plantea que «Al compás de la semana» muestra a una cronista-editora cuyo trabajo desborda los límites de lo que se podría esperar para una sección de crónica de actualidad. Por otro lado, se analiza la sección desde una perspectiva de género, con lo cual el contenido «mujeres», «condición femenina» y «trabajo femenino» cobra un protagonismo y tono inusitado en la revista Zig-Zag de inicios de siglo xx. La hipótesis de este artículo es que, tras las fotografías que se incluían en la sección y que remitían, la mayoría de las veces, al tópico social del viaje (o veraneo) o a la actualidad política y cultural, se esconde una sección femenina sui generis ; es decir, una sección cuyo contenido escrito da cuenta de temáticas asociadas a la condición femenina, con una propuesta cercana a ciertas ideas feministas de inicios de siglo xx. Between 1927 and 1930 Zig-Zag magazine published «Al compás de la semana», a section in which the editorial and writing action of Elvira Santa Cruz Ossa (Roxane) converged. On the one hand, in this article, we analyze the features of the section, and we argue that «Al compás de la semana» discloses a chronicler-editor whose work exceeds the limits of what ones could expect for a section of current affairs. On the other hand, we discuss the section from a gender perspective. We point out that although it is a section devoted to current affairs, «women», «feminine condition» and «women labor» take on an unusual leading role and tone in contrast with other sections and contents of Zig-Zag magazine. Furthermore, this content also exposes some feminist ideas of the early twentieth century. Therefore, the hypothesis of this article argues that a sui generis female section conceals behind the photographs of the section that referred, most of the time, to social life and travel or to political and cultural news.
- Feminismos revolucionarios: socialismo y patriarcado en Alicia Galaz y
Cecilia Vicuña
Abstract: Resumen Este artículo estudia las intersecciones entre socialismo y feminismo en dos textos poéticos publicados en Chile a inicios de los setenta: Jaula gruesa para el animal hembra (1972) de Alicia Galaz y Sabor a mí (1973) de Cecilia Vicuña. Ambos textos son analizados desde un punto de vista sociocrítico, subrayando los diálogos que mantienen con el feminismo socialista y radical en torno a la emancipación de las mujeres y la lucha contra el patriarcado. Se propone que ambas poetas buscan ampliar el horizonte revolucionario de la Unidad Popular, al remarcar la importancia de transformar las estructuras familiares y psicosexuales que oprimen a las mujeres. Así, Galaz critica la invisibilización de las mujeres como sujetos políticos y el machismo al interior de las militancias de izquierda, mientras que Vicuña desarrolla una imaginación freudomarxista a partir de la cual asocia la utopía por una sociedad nueva con el ejercicio de una sexualidad polimórfica. This article studies the intersections between socialism and feminism in two poetic texts published in Chile in the early seventies: Jaula gruesa para el animal hembra (1972) by Alicia Galaz and Sabor a mí by Cecilia Vicuña. Both texts are analyzed from a sociocritic point of view, emphasizing the dialogues they maintain with socialist and radical feminism, regarding women’s liberation and fight against patriarchy. It is proposed that both poets seek to amplify the revolutionary horizon of the Popular Unity, accentuating the importance of transforming the familiar and psychosexual structures that oppress women. Thus, Galaz criticizes the invisibilization of women as political subjects and sexism within leftist militance; while Vicuña develops a Freudo-Marxist imagination through which the utopia of a new society is associated with the exercise of a polymorphic sexuality.
- La invención de la lesbiana oscura en la ficción televisiva: narrativa y
afectos en Cárcel de Mujeres
Abstract: Resumen La serie de televisión Cárcel de Mujeres (TVN, 2007-2008) constituye un caso paradigmático para comprender el paulatino proceso de incorporación de personajes no heterosexuales en la pantalla chilena durante el siglo xxi. Esta creación audiovisual, emitida en horario nocturno y con éxito de rating , incluyó el mayor el número de personajes lésbicos y bisexuales visibles en una ficción televisiva nacional hasta la actualidad. El objetivo de esta investigación consiste en sacar a la luz visiones inusuales de las corporalidades sexo-disidentes ocultadas en narrativas dominantes. Desde una perspectiva de análisis del lenguaje audiovisual este artículo describe los tipos de representaciones, tramas y relaciones sexo-afectivas en las que se ven involucradas diez personajes lesbianas, masculinas y femeninas, presentes en la ficción televisiva. La investigación devela los discursos lesbofóbicos que construyen una ficción que asocia estas mujeres disidentes sexuales a la criminalidad y la perversión sexual, a través de una estética que consolida la figura de la lesbiana oscura. El análisis crítico de estos personajes contribuye a construir un archivo de sexualidades queer desde una temporalidad local y latinoamericana. The TV show Cárcel de Mujeres (TVN, 2007-2008) constitutes a paradigmatic case for understanding the progressive incorporation of non-heterosexual characters on the Chilean screen during the 21st century. This audiovisual creation, broadcast at night and with a successful rating, included the most significant number of lesbian and bisexual characters visible in national television fiction to date. The general objective is to expose rare visions of sex-dissident corporeality hidden in dominant narratives. From an audiovisual narrative perspective, this article describes the types of representations, plots, and sex-affective relationships in which ten lesbians –butch and femme characters– are involved in TV shows. The research reveals the lesbophobic discourses that build a fiction that associates these sexual dissident women with criminality and perverse sexuality through an aesthetic that consolidates the figure of the dark lesbian. The critical analysis of these characters contributes to building an archive of queer sexualities from a local and latinoamerican temporality.
- Arte y algoritmos
Abstract: Resumen El uso de la tecnología para la creación artística ha sido recurrente a lo largo de la historia del arte. Artistas de todas las épocas han utilizado la tecnología como herramienta para nuevas formas de expresión. En este artículo quiero diferenciar dos usos de la tecnología para ayudar a la creación artística: el uso aumentativo y el uso sustitutivo . Defiendo la idea de que la mayor parte de la relación histórica entre arte y tecnología ha sido enmarcada dentro de un uso aumentativo , es decir, que la tecnología ha ayudado a las y los artistas en la creación, producción y distribución de su arte. Sin embargo, las tecnologías digitales (TICs) y en concreto el uso de sistemas de Inteligencia Artificial (IA) y algoritmos están provocando un cambio de paradigma de un uso aumentativo hacia un uso sustitutivo . El uso sustitutivo de ciertas tecnologías –sistemas de IA y algoritmos– supone una transformación radical en la naturaleza del arte, su valor y el papel de las y los artistas. Actualmente los sistemas de IA y los algoritmos pueden pintar, componer música y escribir textos de manera no supervisada. En otras palabras, la creatividad o la creación de arte se pueden automatizar. Dicho esto, quiero reflexionar sobre las implicancias filosóficas del progresivo uso sustitutivo de la tecnología en el arte para explorar cuestiones tales como: ¿las máquinas pueden crear arte', ¿es posible hablar de creatividad de las máquinas', ¿puede una máquina exigir derechos de autor o reclamar la propiedad intelectual de una obra' The use of technology for artistic creation has been recurrent throughout the history of art. Artists of all times have used technology as a tool for new forms of expression. In this article, I want to differentiate between two uses of technology to aid artistic creation: augmentative use and substitutive use . I defend the idea that most of the historical relationship between art and technology has been framed within an augmentative use , that is, technology has helped artists in the creation, production and distribution of their art. However, digital technologies (ICTs) and in particular the use of Artificial Intelligence (AI) systems and algorithms are causing a paradigm shift from augmentative to substitutive use . The substitutive use of certain technologies –AI systems and algorithms– implies a radical transformation in the nature of art, its value and the role of the artist. Currently, AI systems and algorithms can paint, compose music and write text in a non-supervised way. In other words, creativity or art creation can be automated. Having said that, I want to reflect on the philosophical implications of the progressive substitutive use of technology in art to explore questions such as: Can machines create art' Can we talk about machine creativity' Can a machine claim copyright or intellectual property of a work'
- Adaptarse y resistir al ojo del otro: la dialéctica de la mirada y los
mapuche-williche frente a la visión del conquistador. Fines del siglo xix
y principios del XX
Abstract: Resumen El trabajo busca observar, a través de la fotografía, la forma en que la sociedad chilena ve a los mapuche-williche. Según esta investigación, los mapuche-williche lograron adaptarse a la nueva realidad de ser un pueblo colonizado utilizando ingeniosamente las formas en que eran vistos por la sociedad chilena. La metodología aplicada para observar las fuentes y para comprender este fenómeno de visualidad es una adaptación de la «dialéctica de la mirada» de Walter Benjamin, analizada e interpretada por Susan Buck-Morss. Para este trabajo, el centro dialéctico no estará en el concepto de «mercancía», sino que se enfocará en el concepto de «otredad», lo que permitirá un mejor análisis de cómo se mira cada una de estas sociedades cuando una de ellas busca convertirse en dominadora y la otra, en un proceso de subalternización, aprende a utilizar los códigos de la dominación para mantenerse y resistir, estableciendo relaciones de poder que le sean más favorable. Las fuentes para esta investigación fueron fotografías y fotografías de estudio, periódicos regionales de la época y memoriales y cartas construidos por los mapuche-williche. The work seeks to observe, through photography, the way in which Chilean society sees the Mapuche-Williche. According to this research, the Mapuche-Williche managed to adapt to the new reality of being a colonized people by cleverly using the ways in which they were seen by Chilean society. The methodology used to analyze the sources and to understand this phenomenon of visuality is an adaptation of Walter Benjamin’s «Dialectics of Seeing», as analyzed and interpreted by Susan Buck-Morss. For this work, the dialectical centre will not be on the concept of «commodity», but will focus instead on the concept of «otherness», which will allow a better analysis of how each of these societies is viewed when one of them seeks to become dominant and the other, in a process of subalternisation, learns to use the codes of domination to persist and resist, establishing power relations that are more favourable for itself. The sources for this research were photographs and studio photographs, regional newspapers of the time, and memorials and letters constructed by the Mapuche-Williche.
- León Rozitchner y lo mitológico-político
Abstract: Resumen En el presente artículo me propongo recomponer la especificidad teórica del último periodo de la obra filosófica de León Rozitchner, allí donde aparece el problema de lo «mitológico-político». A modo de introducción, comenzaremos haciendo referencia a la coyuntura histórica en la cual Rozitchner plantea este nuevo horizonte conceptual. En la primera parte del artículo, desarrollaré la noción de mater , categoría cardinal a partir de la cual se comprenden los distintos desplazamientos conceptuales que aparecen durante estos años. Una vez hecho esto, mostraré el modo en que Rozitchner concibe la noción histórica de mitología y su relación con lo político-social. Esto servirá como preámbulo conceptual para introducirnos luego en el modo en que, desde estas categorías, el filósofo argentino estudia al cristianismo entendido en clave mitológica y su vínculo con las relaciones sociales capitalistas. Allí la noción de terror aparecerá como una categoría clave para comprender el alcance subjetivo de la mitología cristiana. In this article I intend to recompose the theoretical specificity of the last period of the philosophical work of León Rozitchner, where the problem of the «mythological-political» appears. By way of introduction, we will begin by referring to the historical situation in which Rozitchner poses this new conceptual framework. In the first part of the article, I will develop the notion of mater , a cardinal category from which the different conceptual shifts that appear during these years are understood. Once this is done, we will analyse the way in which Rozitchner conceives the historical notion of mythology and its relationship with the socio-political reality. This will serve as a conceptual introduction to the way in which, from these categories, the Argentine philosopher studies Christianity, understood in a mythological key and in its connection with capitalist social relations. There the notion of terror will appear as a key category to understand the subjective scope of Christian mythology.
- Caminando por un mito dibujado de Clorindo Testa. La peste en Ceppaloni
(1977-1997) y la ecología
Abstract: Resumen Este artículo propone una interpretación amplificada de la serie La Peste en Ceppaloni (1977-1997) del artista-arquitecto ítalo-argentino Clorindo Testa, que consiste en un conjunto de mapas, dibujos y murales que trabajan en torno a la incidencia de los problemas ecológicos en la condición humana y su hábitat. El texto plantea en su desarrollo una triple aproximación a la obra: narrativa-visual, arqueológica y antropológica. Se descifra la estructura de mito dibujado que se desarrolla en el Medievo en la ciudad italiana de Ceppaloni, de donde procede la familia de Testa, y el rol de sus protagonistas: roedores, «untadores», el propio arquitecto, la villa medieval y su castillo, así como el itinerario de la peste negra durante el siglo xiv. Esta serie tiene un correlato en el trabajo del autor que recupera la figuración para recobrar una idea de humanismo. En su manifiesto creativo arte, arquitectura y ecología cohabitan. Testa combina en esta serie lo popular y lo erudito con múltiples técnicas. La síntesis resultante forma parte del imaginario de la sociedad. Los dos relatos de la obra –la plaga y el deterioro ecológico– coexisten de manera análoga en los recientes años, y por ello resulta sugestiva su revisión en una suerte de exaltación del presente. This article proposes an amplified interpretation of the series untitled The Plague in Ceppaloni (1977-1997) by the Italian Argentine artist-architect Clorindo Testa. This series contains a set of maps, drawings, and murals that narrates about the incidence of ecological problems in the human condition and habitat. The text raises in its development a triple approach to the work: the visual narrative, the archaeological and the anthropological. We decode the drawn myth structure that develops in the Middle Ages of the Italian city of Ceppaloni where the Testa comes from, and the role of its protagonists: rodents, «spreaders», the architect himself, the medieval town, and its castle, as well as the itinerary of the Black Death during the 14th century. This author recovers the artistic idea of figuration in his work, and the idea of humanism too. In his creative manifesto, art, architecture, and ecology coexist. In this series, Testa combines the popular and the erudite with multiple techniques. The resulting synthesis is part of the imaginary of society. The two versions of the work –the plague and the ecological deterioration– coexist currently, and for this reason, its revision is a suggestive kind of exaltation of the present.
- «Denied in toto». Poesía documental y colectivización de archivos en
Chile
Abstract: Resumen Este artículo estudia el uso de documentos de archivo en el arte chileno contemporáneo en un contexto social de demandas de acceso a los documentos de la dictadura en el país sudamericano. Partiendo del libro de poesía documental Chile Project: [Re-classified] (2013) que Carlos Soto Román elabora con los archivos desclasificados de la CIA, y poniéndolo en relación con la obra de Voluspa Jarpa y de Francisco Tapia Salinas, el artículo examina demandas artísticas y sociales de colectivización y desclasificación de archivos. Mediante el análisis de los modos en que, contra la prohibición estatal que clasifica esos documentos hasta el año 2054, artistas y organizaciones independientes intentan acceder «desde abajo» e intervenir los archivos, se propone que estas iniciativas ponen en cuestión la monopolización de información pública por el Estado y la construcción de una «verdad de archivo», planteando así el problema de la creación, acceso y destrucción de información y documentos históricos. Finalmente, el artículo plantea que el arte y la literatura muestran un nuevo poder de crítica y de intervención y, junto con propuestas sociales para un archivo colectivo descentralizado, disputan el poder monopólico del Estado sobre los archivos y la información pública. This article studies the use of archival documents in contemporary Chilean art, in a context of social demands for access to the files of the dictatorship in the South American country. Starting with the book of documental poetry Chile Project: [Re-classified] (2013) where Carlos Soto Román intervenes CIA declassified files, and in relation to the works of Voluspa Jarpa and Francisco Tapia Salinas, the article reflects on the meaning of recent artistic and social calls for a collectivization and declassification of archives. It argues that these initiatives that access the documents «from below», against the decree that classifies them until 2054, and together with social proposals for a decentralized collective archive, challenge the state monopoly over public information and illuminate the construction of an «archival truth», thus constituting a new critical power for art and literature.
- Oteiza y los años americanos: la trama Huidobro
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
- Por un materialismo no castrado. Conversación de Rodrigo Zamorano con
Silvia Schwarzböck
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
- Consideraciones, debates y retos pendientes a propósito de la
subjetividad. Retornar a Centroamérica para (re)construir lo por-venir
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
- RESEÑAS
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
- Hacer historia sin rostro. Notas sobre Antonio Gramsci. Artes del retrato
, de Miguel Valderrama
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
- RESEÑAS
Abstract: Resumen Jorge Oteiza (1908-2003) dio escasas pistas sobre su estancia en Argentina, Chile y Colombia entre 1935 y 1948. Este artículo desarrolla un análisis de la evolución de sus ideas estéticas a la luz de un cotejo de sus publicaciones de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y la documentación personal del artista conservada en el archivo y la biblioteca de la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Se presta especial atención a la relación de Oteiza con diversos artistas americanos y del exilio español, en un tejido en cuyo centro se encontraría en muchas ocasiones el poeta Vicente Huidobro. En particular, se analiza su encuentro con poetas como Pablo de Rokha, Pablo Neruda y Juan Larrea, así como su estudio del arte precolombino y su recepción del muralismo de David Alfaro Siqueiros y el constructivismo de Joaquín Torres García, que lo llevarían a proponer, en los albores de la posmodernidad, un cambio de paradigma cultural en diálogo con el indigenismo y el poscolonialismo. Jorge Oteiza (1908-2003) provided very little information about his years in Argentina, Chile, and Colombia, from 1935 to 1948. This paper analyzes the development of his aesthetic ideas from a close reading of his publications during the 1940s, 1950s and 1960s and the documents preserved at the archive and library at Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra). Special emphasis is placed on Oteiza’s relationship with several American artists and Spanish refugees, in a fabric where the poet Viente Huidobro would stand as its core. His friendship with poets such as Pablo de Rokha, Pablo Neruda, and Juan Larrea is analyzed, as well as his research on pre-Columbian art and his attitude towards Mexican muralism and Torres García’s constructivism. As a result, on his return to the Basque country he would build a new cultural paradigm that is highly indebted to his experiences in America, namely his acquaintance with nativism and a postcolonial perspective.
|
Open Access journal
