Abstract: Resumen Mudanza (2010) es el primer libro de Verónica Gerber (1981), un libro donde la autora narra la migración que cinco artistas realizaron desde la literatura al arte. En este libro podemos encontrar una suerte de programa de los modos en que la autora ha pensado los traslados entre escritura y visualidad a lo largo de todo su trabajo. En Mudanza, los textos abren una zona de intervalo, de indeterminación, una suerte de tierra de nadie en el corazón de la palabra y de la imagen, como si las y los escritores devenidos artistas sacrificaran los resultados de esa mudanza para poder explorar todo lo que acontece en ese traslado. Con esa misma ambigüedad escribe Gerber, componiendo textos a medio camino entre la literatura, el ensayo, la autobiografía, la escritura visual. Este artículo indaga en la pregunta por aquello que acontece cuando las imágenes y las palabras salen de sí mismas, perfilando lo que podríamos llamar una escritura figural que hace del intervalo el lugar de una potencia que trabaja en contra del estereotipo y el sentido unívoco.Abstract Mudanza (2010) is the first book by Verónica Gerber (1981), a book where the author narrates the migration that five artists made from literature to art. In this book we can find a kind of program of the ways in which the author has thought about the transfers between writing and visuality throughout all her work. In Mudanza, the texts open a zone of interval, of indetermination, a kind of no man’s land in the heart of the word and the image, as if the writers turned artists sacrificed the results of that moving-out in order to explore everything that happens in that change of location. Gerber writes with that same ambiguity, composing texts halfway between literature, essay, autobiography, and visual writing. This article investigates the question of what happens when images and words leave themselves, outlining what we could call a figural writing that makes the interval the place of a potency that works against the stereotype and the univocal meaning.
Abstract: Resumen Este artículo indaga, fundamentalmente, en los posibles vínculos que puedan establecerse entre las condiciones materiales y procedimientos escriturales de La filial de Matías Celedón y el concepto «muerte del autor» (1968) de Roland Barthes. También revisa la estructura y la atmósfera burocrática y agobiante de la oficina en la que se desarrolla la trama, planteando una comparación con dos obras clásicas sobre el tema: Bartleby, el escribiente (1853) y Bouvard y Pécuchet (1880). Finalmente, alude a referentes de la poesía experimental como Martín Gubbins, Guillermo Deisler, Elsa Werth y Sergio Chejfec, entre otros, con el objetivo de perfilar una suerte de «escritura de oficina» que trasciende las diferencias habituales entre los géneros narrativo y poético.Abstract This article, fundamentally, investigates the possible links that may be established between material conditions and scriptural procedures of La filial by Matías Celedón and the concept of «Death of the Author» (1968) by Roland Barthes. It also reviews the bureaucratic and oppressive structure and atmosphere of the office in which the plot takes place, proposing a comparison with two classic works on the subject: Bartleby, the Scrivener (1853) and Bouvard and Pécuchet (1880). Finally, it is alludes to references of experimental poetry such as Martín Gubbins, Guillermo Deisler, Elsa Werth y Sergio Chejfec, among others, with the aim of outlining a kind of «Office Writing» that transcends the usual differences between the narrative and poetic genres.
Abstract: Resumen La artista francesa Sophie Calle (París, 1953) se ha caracterizado por un trabajo híbrido y muchas veces inclasificable. En sus obras se dan cita de igual forma tanto la fotografía, el video y la instalación como la escritura autobiográfica, de bitácora y de correspondencia. A partir de la discusión teórica y conceptual sobre el giro textual y giro visual en la producción de pensamiento y de la dimensión autobiográfica en el arte, en este artículo me propongo explorar los modos en que se reúnen y cruzan visualidad y escritura en la obra de Calle y cómo estas estrategias configuran un lugar inédito e híbrido –fronterizo e imperfecto– para el relato autobiográfico, repercutiendo en las formas con que el arte aborda uno de sus temas centrales, esto es, la presentación y la representación, y las nociones de verdad y ficción contenidas en ellas.Abstract French artist Sophie Calle (born in Paris in 1953) has been characterized by a hybrid and often unclassifiable body of work. In her pieces, photography, video, and installation converge, alongside autobiographical, logbook, and correspondence writing. Building upon theoretical and conceptual discussions surrounding the textual and visual shifts in thought production, as well as the autobiographical dimension in art, this article aims to explore how Calle integrates and intersects visuality and writing in her work. It delves into how these strategies shape an unprecedented and hybrid–borderline and imperfect–space for autobiographical narrative, impacting the ways in which art addresses one of its central themes: presentation and representation, as well as the notions of truth and fiction inherent within them.
Abstract: Resumen El presente artículo interroga el cruce entre escritura y visualidad en la poética de Celan, a partir del siguiente recorrido: un primer apartado se detiene en la incidencia que tiene su encuentro con Gisèle Lestrange, lo que permite dar cuenta del reconocimiento, por parte de Celan, de la significativa impronta que deja el arte del grabado de Lestrange en su propio ejercicio poético. El creciente uso de términos provenientes del arte del grabado, tanto en su poesía como en sus reflexiones poetológicas, permitirá comprender la relación que el poeta sostiene con ciertas formas de imaginación crítica provenientes de las artes visuales. En un segundo apartado, rastreamos cómo El meridiano, título de su decisivo manifiesto poetológico, encuentra su espacio de germinación en un grabado que Lestrange envía a Nelly Sachs, y en cuyas líneas la poeta reconoce, como apunta en su correspondencia con Celan, «meridianos del dolor y del consuelo». Un tercer acápite retoma la pregunta de Derrida respecto de cómo leer en Celan la práctica de la entalladura del lenguaje. Un último apartado aborda sucintamente la relación entre imagen y resistencia, a partir del dibujo de velas ardiendo que Celan realiza cuando niño y del «llamado a los poetas» que le llega del anarquista Gustav Landauer.Abstract This article interrogates the intersection between writing and visuality in Celan’s poetics, based on the following route: a first section focuses on the impact of his encounter with Gisèle Lestrange, giving an account of Celan’s recognition of the significant imprint that Lestrange’s art of engraving leaves on his own poetic exercise. The growing use of terms from the art of engraving, both in his poetry and in his poetological reflections, will allow us to understand the relationship that the poet maintains with certain forms of critical imagination coming from the visual arts. In a second section, we trace how The Meridian, the title of her decisive poetological manifest, finds its space of germination in an engraving that Lestrange sends to Nelly Sachs, and in whose lines the poet recognizes, as in her correspondence with Celan, «meridians of the pain and consolation». A third section takes up Derrida’s question regarding how to read the practice of language carving in Celan. A final section succinctly addresses the relationship between image and resistance, based on the drawing of burning candles that Celan made as a child and the «call to poets» that he received from the anarchist Gustav Landauer.
Abstract: Resumen El presente ensayo analiza la obra de Augusto de Campos y su relación con la poesía visual. A partir del uso que hace el poeta brasileño de la página en negro para componer sus poemas, se propone una lectura de su obra en relación con el legado de Mallarmé y su idea de la escritura. Posteriormente, a partir de la idea de la materialidad de la lengua poética que está en el centro del proyecto poético de Augusto de Campos, se plantea el pasaje hacia una dimensión háptica que se produce en sus poemas, sobre todo en «Anticéu» («Anticielo») de 1984.Abstract This essay analyzes the work of Augusto de Campos and his relationship with visual poetry. Starting from the Brazilian poet’s use of the black page to compose his poems, it proposes a reading of his work in relation to the legacy of Mallarmé and his idea of writing. Subsequently, starting from the idea of the materiality of poetic language that is at the heart of Augusto de Campos’ poetic project, the passage towards a haptic dimension that occurs in his poems, especially in «Anticéu» («Anticielo») of 1984, is proposed.
Abstract: Resumen Este artículo propone un análisis filológico de un pasaje del tratado de pintura de León Battista Alberti, particularmente aquel donde el autor compara el cuadro con una «ventana abierta». De amplia supervivencia en las teorías modernas de la representación pictórica, tal expresión metafórica encontraría su origen en ciertos hábitos retóricos y poéticos tan propios del humanismo renacentista como singulares y originales en su aplicación teórico-práctica, mostrando la existencia de una alianza profunda entre las figuraciones literarias y los imaginarios visuales que se han asentado en nuestra tradición.Abstract This article proposes a philological analysis of a passage from León Battista Alberti’s painting treatise, particularly the one where the author compares the painting with an «open window». Widely surviving in modern theories of pictorial representation, such metaphorical expression would find its origin in certain rhetorical and poetic habits as typical of Renaissance humanism as they are singular and original in their theoretical-practical application, showing the existence of a deep alliance between figurations literary and visual imaginaries that have established themselves in our tradition.
Abstract: Resumen El presente artículo busca «condensar» investigaciones precedentes respecto de las formas de leer los vínculos entre poesía e imagen visual. Apostando por la mirada en constelaciones, indaga una manera de aproximarse a figuras y paisajes en la poesía chilena a través de archivos, conceptos, fronteras y aparatos que dan cuenta de una sedimentación móvil de escritura y visualidad, estableciendo las posibilidades de leer materiales y técnicas en la historia de taxonomías imaginarias. El artículo sigue así dos movimientos: primero, una reflexión a partir de las formas consteladas de leer; segundo, una breve mirada acerca de los aparatos y técnicas en la poesía chilena.Abstract This article seeks to «condense» previous research regarding ways of reading the links between poetry and visual image. Betting on looking at constellations, it investigates a way of approaching figures and landscapes in Chilean poetry, through archives, concepts, borders and devices, which account for a mobile sedimentation of writing and visuality, establishing the possibilities of reading materials. and techniques in the history of imaginary taxonomies. The article thus follows two movements: first, a reflection from the constellated ways of reading; second, a brief look at the devices and techniques in Chilean poetry.
Abstract: Resumen Derrida y Agamben proponen el origen del arte en una negatividad: la ceguera en un caso y la potencia-de-no en el otro. Esta confluencia me permite proponer el concepto de potencia oscura de la mirada para dar cuenta del lugar prolijo y siempre abierto de la mirada que no se agota en sus realizaciones históricas. Con ello planteo tres cosas que fundamentan una perspectiva estética y política de la mirada: 1. la mirada es una estructura simbólica y matricial que organiza las formas de ver de una cultura o una sociedad; 2. las formas históricas de ver se encuentran gobernadas por fuerzas estéticas y políticas dominantes del sentido a las que llamo mirada matriz; 3. ante la mirada matriz se erigen, persistentemente, formas de contramirada y miradas disidentes que propugnan por romper sus hegemonías y que definen la transformación y el dinamismo de la mirada.Abstract Derrida and Agamben propose the origin of art in a negativity: blindness in one case and the «being able to not do» in the other. This confluence allows me to propose the concept of dark power of the gaze to account for the inexhaustible and always open place of the gaze that is not exhausted in its historical achievements. Whit this I propose three things that base an aesthetic and political perspective of the gaze: 1. The gaze is a symbolic and matrix structure that organizes the ways of seeing of a culture or a society; 2. Historical ways of seeing are governed by dominant aesthetic and political forces of meaning that I call the matrix gaze; 3. Before the matrix gaze, forms of counter-gaze and dissident gazes persistently arise that advocate breaking their hegemonies and that define the transformation and dynamism of the gaze.
Abstract: Resumen El artículo se propone analizar la estructura de personajes del guion cinematográfico Amapola de Jorge Acha trazando un paralelismo con la estructura cosmológica tricotómica propuesta por Charles Sanders Peirce. Asimismo, se recuperan las metafísicas vegetales de Maurice Maeterlinck y Emanuele Coccia, sobre todo en su concepción de la flor como elemento mediador entre lo terrestre y lo aéreo, y lo que esta hipótesis tiene de semejanza con la concepción peirceana y, por lo tanto, según es nuestra propuesta, con la del guion de Acha. Así, se procede metodológicamente por la explicitación y argumentación de similitudes entre las cosmologías del texto analizado y de las fuentes filosóficas propuestas. De este modo, el ensayo busca mostrar cómo el guion posee una forma basada en oposiciones con continuidad entre sus partes que lo acercan, en ese sentido, a la estética barroca y lo diferencian de las oposiciones sin continuidad que estructuran el pensamiento y la cosmovisión dominantes en Occidente.Abstract The article aims to analyze the structure of characters in the film screenplay Amapola by Jorge Acha drawing a parallelism with the tricotomic cosmological structure proposed by Charles Sanders Peirce. Likewise, the vegetal metaphysics of Maurice Maeterlinck and Emanuele Coccia are recovered, especially in their conception of the flower as a mediating element between the terrestrial and the aerial, and what this hypothesis has of similarity with the Peircean conception and, therefore, according to our proposal, with that of Acha’s script. Thus, we proceed methodologically by explaining and arguing the similarities between the cosmologies of the analyzed text and the proposed philosophical sources. In this way, the essay seeks to show how the script has a form based on oppositions with continuity between its parts that bring it closer, in that sense, to the baroque aesthetic and differentiate it from the oppositions without continuity that structure the dominant thought and worldview in the West.
Abstract: Resumen Retrato y tipo son dos modos de representación de lo humano que se oponen y obedecen a lógicas completamente diversas. El retrato es un esfuerzo por poner en relieve los aspectos más característicos de un individuo, el tipo, por el contrario, rescata los aspectos comunes a varios individuos e instala una lógica de desindividualización. En el Nuevo Mundo, el tipo fue el modo privilegiado de representación del Indio puesto que el retrato fue reservado a las capas de la sociedad de origen europeo. Posteriormente, en la época de la fotografía, el Indio seguirá siendo reproducido en tanto que tipo-indígena, ya sea en tarjetas postales o en publicaciones científicas. El presente artículo es una reflexión en torno a la lógica de orden estético-político que está a la base de la instalación del tipo como modo privilegiado de representación. A su vez, analizaremos el tipo-indígena en la obra del fotógrafo Martín Chambi como un primer esfuerzo por trastocar dicha categoría.Abstract Portrait and type are two opposite ways of representing the human and obey to completely diverse logics. The portrait is an effort to highlight the most distinctive features of an individual, while the type, on the contrary, takes up what is common to various individuals, thus establishing a logic of de-individualization. In the New World, the type was the privileged representation of the Indian, since the portrait was exclusive to the social layers of European background. Afterwards, in the age of photography, the Indian will continue being shown as an indigenous type, either on postcards or in scientific publications. This paper is a reflection on the aesthetical-political logics underlying the establishment of the type as a privileged way of representing the Indian. Finally, we are analyzing the indigenous type in Martin Chambi’s work, photographer who first attempted to disrupt that category.
Abstract: Resumen En el marco de una investigación mayor acerca de la duración en el arte, el cine y la literatura en Colombia, en este trabajo realizamos un estudio de caso de un corpus conformado por la videoinstalación El caballero de la fe, de José Alejandro Restrepo (2011), y los ensayos fílmicos Pirotecnia (2019), de Federico Atehortúa, y Bicentenario, de Pablo Álvarez (2020). La hipótesis que desarrollamos afirma que estas piezas audiovisuales colombianas contemporáneas, mediante un uso de los recursos técnicos disponibles puestos sobre la materialidad de lo visual, transforman, reescriben, subvierten y sublevan el sentido de las imágenes. Son obras que, por un lado, dislocan el tiempo registrado de las imágenes al intervenir en sus tiempos, en las gradaciones de su intensidad y en los movimientos de sus elementos y, a su vez, los recolocan en el tiempo proyectado como parte del proceso de sublevación de la imagen.Abstract In the framework of a greater investigation about the duration in art, cinema and literature in Colombia, in this work we study a corpus made up of the video installation El caballero de la fe, by José Alejandro Restrepo (2011), and the filmic essays Pirotecnia (2019), by Federico Atehortúa, and Bicentenario, by Pablo Álvarez (2020). The hypothesis that we develop affirms that these contemporary Colombian audiovisual works, through a use of the available technical resources placed on the materiality of the visual, transform, rewrite, subvert and rebel the sense of the images. These are works that, on the one hand, dislocate the registered time of the images by intervening in their times, in the gradations of their intensity and in the movements of their elements, and in turn relocate them in the projected time as part of the uprising process of the picture.
Abstract: Resumen El presente artículo se interesa por los retratos fotográficos. Para ello, se considera la propuesta visual de Lariza Hatrick –artista lesbiana argentina dedicada a retratar la comunidad sexodisidente que ella misma habita–. Aquí interesa el modo en que sus retratos dan cuenta de la irrupción de los cuerpos como lugar ontológico de contestación política no reductible al plano de la significación. En esta dirección, se recorren algunos vínculos entre identidad y representación a partir del trabajo precursor de Michel Foucault, de la mirada queer de Judith Butler y de las conocidas fotografías de Cindy Sherman. Finalmente, se realiza un contrapunto entre estas aproximaciones teóricas y estéticas, y el registro ontológico que anida en las fotografías de Hatrick –aquí ponderadas como soporte donde reverbera lo abyecto, es decir, una alteridad radical que circula en una materialidad corporal que desborda todo marco normativo–.Abstract This article is interested in photographic portraits. To do this, the visual proposal of Lariza Hatrick –an argentine lesbian artist dedicated to portraying the sex-dissident community that she herself inhabits– is considered. Interesting here is the way in which her portraits account for the apparition of bodies as an ontological place of political contestation not reducible to the level of meaning. In this direction, some links between identity and representation are explored based on the pioneering work of Michel Foucault, the queer gaze of Judith Butler, and the well-known photographs of Cindy Sherman. Finally, a counterpoint is made between these theoretical and aesthetic approaches, and the ontological register that nests in Hatrick’s photographs – here pondered as support where the abject reverberates, that is, a radical otherness. that circulates in corporeal materiality that goes beyond any normative framework.
Abstract: Resumen ¿Cómo problematiza el cine la relación humano-animal' Este artículo desarrolla esta pregunta a través del análisis de la película La cueva de los sueños olvidados (2010). En este filme, el cineasta alemán Werner Herzog (1942-) se interna en uno de los descubrimientos más fascinantes de todos los tiempos: el del arte rupestre de la cueva de Chauvet (30.000 a 32.000 AP). El texto propone que, por medio del involucramiento físico del público espectador, del foco en los afectos y del entrelazamiento de la realidad y la ficción, el documental desarrolla un campo de intensidades que permite vislumbrar un devenir animal a través del cine.Abstract How does film problematize the human-animal relationship' This article develops this question by analysing the film Cave of Forgotten Dreams (2010). In this film, German filmmaker Werner Herzog (1942-) delves into one of the most fascinating discoveries of all time: the art of the Chauvet Cave (30.000 to 32.000 BP). The text proposes that, through the physical involvement of the viewing public, the focus on affect and the intertwining of reality and fiction, the documentary develops a field of intensities that allows us to glimpse a becoming animal through film.
Abstract: Resumen La «auralidad» se centra en las propiedades materiales y simbólicas del espacio percibidas a través de la escucha, brindando una perspectiva fértil para entender lo urbano. Este enfoque desafía la dicotomía convencional entre el espacio visual y el acústico al situarse en una intersección compleja entre ambos dominios, lo que implica una revisión crítica de las concepciones tradicionales del espacio. Por un lado, evidencia las relaciones de poder del visuocentrismo de los mapas estatales; por otro, resalta la naturaleza disruptiva y no-euclidiana del espacio acústico. Desde esta perspectiva, se propone explorar la interrelación entre el espacio acústico y el visual, conceptualizando la auralidad de los lugares como una estética relacional y bicultural capaz de enriquecer la descripción del espacio urbano. Para llevar a cabo este objetivo, se utilizarán técnicas como los paseos sonoros, las fonografías y las cartografías reflexivas, mediante una investigación exploratoria centrada en el Puerto de La Plata.Abstract The concept of «aurality» focuses on the material and symbolic properties of space perceived through listening, providing a fertile perspective for understanding the urban environment. This approach challenges the conventional dichotomy between visual and acoustic space by positioning itself at a complex intersection of both domains, implying a critical revision of traditional spatial conceptions. On one hand, it exposes the power relations inherent in visuocentrism as reflected in state maps; on the other hand, it highlights the disruptive and non-Euclidean nature of acoustic space. From this perspective, there is a proposal to explore the interrelation between acoustic and visual space, conceptualizing the aural qualities of places as a relational and bicultural aesthetic capable of enriching the description of urban space. To achieve this objective, techniques such as soundwalks, phonography, and reflexive cartography will be utilized through an exploratory investigation focused on the Port of La Plata.
Abstract: Resumen Se aborda la historia reciente de Ecuador centrando la mirada en la figura del expresidente León Febres-Cordero, a partir de dos proyectos realizados con las y los estudiantes de la Escuela de Cine de la Universidad de las Artes del Ecuador. En Delirar el archivo se parte de la fórmula deleuziana «escribir es una forma de delirar» con el fin de releer las imágenes del pasado guayaquileño. En Remontar la historia, igualmente, se utiliza una metodología crítico-creativa para resignificar los archivos visuales del diario El Telégrafo por medio de recontextualizaciones en el espacio público. El análisis de estas piezas audiovisuales permitió la configuración de una tipología de imágenes (imagen-borramiento, imagen-mimética, imagen-entreverada, imagen-arquitectura e imagen-escultura) y una serie de principios sobre el uso de los archivos: de apertura, de intertextualidad, de multiplicidad, de reflexividad y de memoria.Abstract The recent history of Ecuador is addressed, focusing on the figure of former president León Febres-Cordero, based on two projects carried out with the students of the Film School of the University of the Arts of Ecuador. In Delirar el archivo we start from the Deleuzian formula "writing is a form of delirium" in order to reread the images of Guayaquil's past. In Remontar la historia, likewise, a critical-creative methodology is used to redefine the visual archives of the newspaper El Telégrafo through recontextualizations in public space. The analysis of these audiovisual pieces allowed the configuration of a typology of images (erasure-image, mimetic-image, mixed-image, image-architecture and image-sculpture) and a series of principles on the use of files: openness, intertextuality, multiplicity, reflexivity and memory.
Abstract: Resumen El presente ensayo se enfoca en cómo las composiciones tardías de Federico Moura (1951-1988), líder de la banda argentina Virus, ofrecen una forma de lidiar productivamente con un contexto de precariedad existencial. Para llevar a cabo el análisis, serán importantes, por un lado, las propuestas de Mario Rodríguez «Silo» (1938-2010) sobre la imaginación como potencia ético-estética y, por otro lado, la conciencia de imagen de la fenomenología de Edmund Husserl (1859-1938). En la primera parte, a través de la descripción tanto de la conciencia de la imagen husserliana como de la psicología de la imagen siloísta, se verá cómo la imaginación se configura como una potente vía para la (trans)formación de la realidad. A continuación, y a la luz de la descripción previa, se analizará la producción de Virus desde 1985 haciendo especial énfasis en el último álbum de la banda, Superficies de placer (1987), que muestra la estética poético-musical tardía de Federico Moura.Abstract This essay focuses on how the late compositions of Federico Moura (1951-1988), leader of the Argentine band Virus, offer a way of dealing productively with a context of existential precariousness. To carry out the analysis, the contributions of Mario Rodríguez «Silo» (1938-2010) on imagination as an ethical and aesthetic potency in conjunction with the consciousness of image of Edmund Husserl's (1859-1938) phenomenology will be important. In the first part, through the description of both Husserlian consciousness of image and Siloist psychology of image, it will be seen how imagination is configured as a potent way for the (trans)formation of reality. Next, and based on the previous description, the production of Virus since 1985 will be analyzed, with special emphasis on the band's last album, Superficies de placer (1987), which shows the late poetic-musical aesthetics of Federico Moura.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
Abstract: Resumen Este ensayo busca definir una vertiente de la categoría estética de lo sublime: lo sublime cognitivo. La finalidad es presentarla en el ámbito de la educación infantil, como una experiencia que genera una nueva relación con el mundo a partir de la emoción del asombro ante la realidad. Desde esta perspectiva pedagógica, este estudio se centra especialmente en los espacios ficticios de los juegos y de los cuentos infantiles, en tanto que, en ellos, el aprendizaje se lleva a cabo a través de la actividad creativa de la imaginación.Abstract This essay seeks to define one aspect of the aesthetic category of the sublime: the cognitive sublime. The aim is to present it in the field of early childhood education, as an experience that generates a new relationship with the world based on the emotion of astonishment in the face of reality. From this pedagogical perspective, this study focuses especially on the fictitious spaces of children’s games and stories, insofar as, in them, learning takes place through the creative activity of the imagination.
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