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Fotocinema : Revista Científica de Cine y Fotografía
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  This is an Open Access Journal Open Access journal
ISSN (Print) 2172-0150
Published by Universidad de Málaga Homepage  [21 journals]
  • Palabra e imagen

    • Authors: Edoardo Balletta, Manuel Blanco
      Pages: 3 - 11
      Abstract: El siglo XX fue el siglo de la imagen. Y ella ha sido –y sigue siendo- un motor de producción iconográfica global. Alguno de los hechos más significativos del pasado siglo fueron afectados (cuando no, directamente producidos) por la dimensión visual de un acontecimiento histórico. Baste pensar en el ejemplo que sigue: la liberación de la Europa del nazismo fue a manos del ejército rojo –sea por los planes estratégicos de contención, sea por las bajas del propio despliegue ruso, sea por la transmisión oral de los pueblos liberados- ello unido, si bien en menor medida, al concurso de los ejércitos aliados en la contienda: éstos últimos con un papel coadyuvante, casi subordinado al rol soviético en los frentes orientales. Ese rol secundario aliado era percibido por todos los estamentos de la sociedad europea. Y, tras más de medio siglo de producción iconográfica norteamericana (muy especialmente en el campo de la cinematografía de Hollywood), la responsabilidad de la derrota del nacismo no recae, a ojos de la opinión pública -como en los años coetáneos al propio acontecimiento- en el ejército ruso: las generaciones más jóvenes, como recientemente analizó un estudio, creen firmemente que el ejército americano derrotó él sólo al nacismo, quizás con alguna ayuda europea. La imagen ha cambiado la historia, y no sólo: también la manera de contarla y cantarla. En el siglo XXI este poder se ha multiplicado exponencialmente, tejiendo una nueva relación entre la fotografía y la ciudadanía. Tamizando cada acto vital (un café, un paseo, una comida o una ducha) con su consecuente realización fotográfica del momento y su plasmación en los social media.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5510
       
  • Los títulos de crédito como patrimonio fílmico. De documento
           informativo a obra plástica

    • Authors: María Begoña Sánchez Galán
      Pages: 13 - 36
      Abstract: Durante las primeras décadas del cine, antes de que se inventasen los sistemas de generación electrónica de caracteres, los títulos de crédito se dibujaban en papel, se filmaban y se editaban manualmente en las películas. Alguno de los miembros anónimos del equipo técnico, normalmente con habilidad para el diseño, se encargaba de dibujar los letreros, los símbolos textuales y gráficos, con los que comenzaba el relato fílmico. La mayoría de aquellos papeles se ha perdido, pero aún se conservan ejemplos que nos permiten estudiar cómo se elaboraban los títulos de crédito antes de la irrupción en la industria cinematográfica de los sistemas electrónicos y digitales. Este artículo analiza el papel físico, funcional y simbólico de dichos documentos a partir del estudio de una colección de rótulos y títulos de crédito que se conserva en la Colección-Museo de Filmoteca española y que han sido catalogados por la autora de este texto. Entre dichos papeles se encuentran títulos de crédito elaborados por Ramón de Baños y Manuel Hernández Sanjuán, dos importantes cineastas de la historia del cine español.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5512
       
  • Cine y multilingüismo en la abadía subtitulada de Jean-Jacques
           Annaud

    • Authors: Fran Mateu
      Pages: 37 - 59
      Abstract: En el presente texto se repasan algunos conceptos básicos acerca de la traducción audiovisual, sobre todo en lo referente al doblaje y subtitulación. Por otro lado, se hace alusión al cine multilingüe, en cuyas historias conviven diversas lenguas. Cuando se exhibe a nivel internacional, el contenido de esta modalidad de cinematografía no suele ser doblado en su totalidad, aplicándose la traducción, generalmente, sobre el idioma principal de la película. Los motivos suelen ser diversos, sobre todo en relación al tipo de historia que se cuenta al espectador, pudiendo alterar la esencia de la obra. Asimismo, en el texto se plantea, como breve estudio de caso, la película El nombre de la rosa (Der name der rose, Jean-Jacques Annaud, 1986), cuyo multilingüismo define su verosimilitud, contextualización histórica y narratología.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5513
       
  • El uso eficaz de la imagen y la palabra en una reescritura fílmica
           oleaniana de Tormento

    • Authors: Cristina Jiménez Gómez
      Pages: 61 - 76
      Abstract: La etiqueta de “adaptación” cinematográfica, que ha sido utilizada históricamente con un sentido peyorativo y corruptor respecto al discurso textual de partida, resulta insuficiente para dar cuenta de los efectos estéticos, técnicos y pragmáticos que se producen cuando la literatura es llevada a la pantalla. Particularmente, la película Tormento (1974) de Pedro Olea, basada en la novela homónima galdosiana de 1884, nos ofrece un campo amplio para indagar cómo el director vasco realiza una valiosa reescritura fílmica a través del uso premeditado de la imagen y la palabra. En el cine de Olea, la palabra ofrece estructura y anclaje al significado de la imagen, lo que permite establecer nuevas narraciones posibles sobre la novela galdosiana y, también, analizar cómo se producen, gracias a sus prácticas cinematográficas, ciertos efectos estéticos que el espectador ha de saber interpretar. Estamos, pues, en la línea de una teoría de la recepción cinematográfica donde el espectador tiene mucho más que decir en la dotación del sentido de la obra artística.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5514
       
  • Palabras e imágenes del underground en 1,2,3 al escondite inglés
           (Iván Zulueta, 1970)

    • Authors: Elena Rosillo
      Pages: 77 - 98
      Abstract: En 1,2,3, al escondite inglés (1970) Iván Zulueta narra el deseo de un grupo de jóvenes por desbaratar el “Festival de la Canción de MundoCanal” (una parodia de Eurovisión). Para ello se rodea de actuaciones musicales de las principales bandas de la “modernidad” española del momento, como Los Ángeles o Fórmula V, entre otros. La cinta muestra, más allá de la música alternativa de la época, imágenes, gestos y diálogos que nos ayudan a encontrar las líneas definitorias de lo que podemos dar en llamar la cultura underground durante el Franquismo. En este artículo se pretende profundizar en la significación de algunos de estos diálogos (en su mayor parte jocosos), así como la imagen que se ofrece de las distintas formaciones musicales y los personajes de la historia, para reconocer las actitudes contraculturales que marcaron una cultura sometida por una ideología hegemónica, la franquista, en una ciudad en la que poco podía esperarse el desarrollo de una contracultura, como era Madrid.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5526
       
  • El bloqueo del escritor en Días sin huella (The Lost Weekend, Billy
           Wilder, 1945)

    • Authors: Juan Carlos Pueo
      Pages: 99 - 112
      Abstract: La adaptación de la novela de Charles R. Jackson The Lost Weekend planteó un primer problema a los guionistas Billy Wilder y Charles Brackett: no podían explicar el alcoholismo del protagonista a partir de su homosexualidad. Decidieron, por tanto, desarrollar otro tema, el del bloqueo del escritor. La responsabilidad del escritor sobre su palabra se plantea en la película mediante el relato de su “fin de semana perdido”, en el que su visión del mundo se irá matizando a partir de diferentes tipos de escritura, que van de la formada por simples indicios a la más compleja escritura simbólica. El final de la película no plantea tan sólo la redención del alcohólico, sino el aprendizaje del sentido último de la escritura, siempre según la mentalidad dominante en el Hollywood clásico: la creencia de que la escritura sólo tiene sentido cuando su mensaje va más allá de la mera literatura, instando a los lectores / espectadores a reaccionar en un sentido determinado.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5527
       
  • El trabajo de mesa en el audiovisual: la hermenéutica de la
           palabra/logos

    • Authors: Emeterio Diez Puertas, Jorge Iván Suárez
      Pages: 113 - 135
      Abstract: El artículo tiene por tema el trabajo de mesa. Su objeto es describir, desde una aproximación hermeneútica, los elementos que componen dicha técnica y cómo afectan al proceso de transducción del texto escrito al audiovisual. Para ello se ha empleado la técnica cualitativa de la entrevista en profundidad, tanto directa (entrevistas a profesionales españoles) como indirecta (a través de libros de entrevistas). La hipótesis es que el trabajo de mesa se articula sobre el concepto logos y tres de sus significados: palabra, razón y pensamiento. Pero las dudas sobre en qué momento situar el trabajo de mesa, cuánto debe durar, en qué debe consistir o qué pasa con los casos especiales, a punta, más bien, a una conclusión que evidencia que hay una complicada interacción entre logos y praxis, la cual se resuelve con la razón poética.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5528
       
  • El globo de texto como transposición del diálogo del cómic al cine en
           ¿Quién quiere matar a Jessie' (Kdo Chce Zabít Jessii', Václav
           Vorlíček, 1966)

    • Authors: Luis E. Froiz Casal
      Pages: 137 - 158
      Abstract: ¿Quién quiere matar a Jessie' (Kdo Chce Zabít Jessii', Václav Vorlíček, 1966) es una película que, desde la comedia y las formas más propias del cine de entretenimiento ligero, sirve como planteamiento de comunicación entre las especificidades del lenguaje del cómic y del cine. En ella, los personajes aparecidos en un tebeo para adultos cobraban forma corpórea en la realidad objetiva diegética, destrozando el mundo y comunicándose a través de bocadillos de texto. La relación entre las formas de diálogo de ambas artes narrativas se convierte en un juego que nos obliga a repensar la representación gráfica del texto y del diálogo en el cine, así como las diferencias narrativas que presentan, debido a la diferenciación en la forma síncrona o temporal, el noveno y el séptimo arte. Del mismo modo, la representación de personajes incapaces de emitir sonidos, comunicándose solo a través de texto escrito en pantalla, ejecuta una suerte de reflexión sobre el cine silente y la evolución hacia el cine sonoro, enfrentando dos momentos históricos de la técnica cinematográfica.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5529
       
  • Metáforas sobre el tiempo y la percepción. Un estudio a propósito de La
           llegada de Villeneuve

    • Authors: Deborah Rodríguez R.
      Pages: 159 - 174
      Abstract: El cine se ha convertido en un campo de experimentación y difusión para la filosofía. Es posible reconocer cuestiones centrales para el pensar filosófico que atraviesan las más diversas historias. El género de ciencia ficción se ha vuelto especialmente propicio para esta tarea, dando cabida a escenarios que llevan hasta los límites de lo imaginable el compromiso con ciertos postulados filosóficos. Este es el caso de La Llegada (Arrival), una película de Denis Villeneuve estrenada en 2016. Allí se narra una historia sobre extraterrestres, pero, a diferencias de muchas de sus homólogas, no se centra en destrucción y guerra, sino en los principios del relativismo lingüístico. Siguiendo el trabajo de George Lakoff y Mark Johnson se recorre la historia de Louise Banks, llevando la reflexión hasta la experiencia del espectador. El trabajo de Lakoff y Johnson con respecto al estudio de la metáfora sirve de contexto y explicación para una historia centrada en las consecuencias que los lenguajes tienen sobre la percepción humana. La llegada conduce al espectador hacia una serie de cuestionamientos sobre el idioma extraterrestre y sobre el propio lenguaje.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5530
       
  • Fotogramas y pantallas. La imagen a la luz de la palabra, y vice-versa

    • Authors: Verónica Tell
      Pages: 175 - 191
      Abstract: Como contraparte de la desmaterialización de la fotografía y la creación mediante algoritmos de imágenes que no necesitan imprimirse sobre ninguna superficie para hacerse visibles, surgió un buen número de obras críticas que buscaron reponer la materialidad e invocar al objeto en su carácter físico. Este trabajo se propone abordar algunas obras que pueden inscribirse en esa línea, y que son fundamentalmente autorreferenciales en tanto refieren su origen, su funcionamiento y significación cultural, o su relación de semejanza/diferencia con la comunicación verbal. Este texto se abocará al análisis de piezas realizadas a partir de la técnica del fotograma y otras que evidencian las pantallas como lugar de aparición y como objeto de mediación a través del cual la imagen, intangible, se hace visible. Si cabe invocar el origen etimológico de “fotografía” en obras que contravienen la hibridación que adviene con lo digital, será para pensar en la escritura textual que aparece a través de la luz de la fotografía. Esa será la guía para analizar cuestiones de orden comparativo entre textos e imágenes, sus correspondencias, la imposibilidad de traducción, y las tensiones entre el contenido semántico y la visibilidad de la palabra hecha imagen.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5531
       
  • De lo fotográfico a la fotografía digital contemporánea: la imagen en
           el intercambio discursivo

    • Authors: Leticia Rigat
      Pages: 193 - 213
      Abstract: En el presente trabajo nos proponemos reflexionar sobre los cambios en los modos de producción, circulación y recepción de la fotografía,  a partir del surgimiento de las tecnologías digitales y los nuevos medios de comunicación con base en Internet. En este sentido, buscamos indagar sobre el impacto que las nuevas tecnologías generaron en el pensamiento sobre la fotografía (con el paso de lo analógico a lo digital) y sobre sus usos sociales (a partir la desmaterialización de la imagen y los nuevos medios digitales de comunicación). Transformaciones que hacia el cambio de siglo dieron lugar a los diagnósticos de la muerte de la fotografía y la llegada de una nueva Era: la de la postfotografía, en el contexto de una nueva cultura visual - digital.En la actualidad la fotografía más que una forma de testimonio y memoria (como fueron sus funciones primordiales durante el siglo XX), adquiere una función comunicativa de primer orden. Compartida, comentada, intercambiada, la fotografía contemporánea es hoy un mensaje en sí mismo dentro del intercambio discursivo cotidiano.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5532
       
  • Sobre la dimensión discursiva de la fotografía en los sesenta: una
           genealogía de la vertiente documental del arte de concepto

    • Authors: Víctor Murillo Ligorred
      Pages: 215 - 230
      Abstract: El presente artículo analiza la incorporación de la fotografía como miembro de pleno derecho en el arte contemporáneo, a partir de la perspectiva que la sitúa en la vertiente documental y extremadamente banalizada de los territorios del arte de concepto. Para ello, en primer lugar, se aborda la fotografía en su realineamiento con lo cotidiano y lo anodino de autores como Ed Ruscha que sumergen a la fotografía en una nueva dimensión discursiva nunca antes planteada. Después, se analiza el discurso artístico de L. Sultan y M. Mandel donde, a través de una estética de extrañamiento, consiguen situar a la fotografía en el foco de la vertiente documental del arte de concepto. Para llegar al punto de cómo, desde las estrategias del amateurismo, la foto consigue forzar la mirada desde sus propias formas de aparecer, en una nueva imagen alejada de lo documental y asentada definitivamente en los territorios de lo artístico.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5534
       
  • La naturaleza en la fotografía de Virxilio Viéitez

    • Authors: Miguel Cavadas Docampo
      Pages: 231 - 248
      Abstract: El presente ensayo propone una aproximación al archivo del fotógrafo rural gallego Virxilio Viéitez (1930-2008) desde la perspectiva teórica de la ecocrítica, con el fin de profundizar en el papel de la naturaleza en sus fotografías. El análisis se organiza en tres núcleos; el primero, la representación del paisaje, plantea una caracterización del paisaje unitario de la comarca en la que el fotógrafo llevó a cabo su obra, Terra de Montes (Pontevedra), e indaga en el rol que juega el humano dentro de ella. El segundo, los animales, ofrece una propuesta de clasificación para las especies que aparecen en el archivo en función de su relación con el ser humano e introduce la noción de “cambio”, esencial en el tercer núcleo, la imagen del rural, que define la visión de la aldea que transmite el archivo y sus variaciones cronológicas. En la conclusión se aplica lo estudiado a la realidad actual del rural gallego con el objetivo de inspirar una respuesta del activismo ruralista al proceso de “colonización urbana” del ámbito rural que se viene evidenciando a lo largo del trabajo.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5535
       
  • El devenir de las imágenes en los años de la última dictadura militar
           argentina: circulación y recepción de las ficciones
           hermético-metafóricas

    • Authors: Ana Laura Lusnich
      Pages: 249 - 272
      Abstract: En el transcurso de la última dictadura militar argentina (1976-1983), el cine y los medios audiovisuales en general se transformaron en actores significativos en la transmisión y la aprobación de las políticas del régimen militar. En tanto, un sector no menos amplio mantuvo una posición crítica y reflexiva sobre el accionar de la dictadura. El objetivo de este trabajo es indagar sobre el devenir público de un segmento de la producción cinematográfica realizada en ese período -las ficciones hermético-metafóricas que interpelaban de forma oblicua la realidad política y social del momento-, con el interés de conocer el grado de aceptación por parte de las instituciones públicas de la época, los receptores y los medios periodísticos. El trabajo está enfocado particularmente en cuatro filmes realizados por dos directores disidentes del régimen, que tuvieron éxito de público en salas comerciales y generaron respuestas disímiles en el campo de la opinión pública y los medios periodísticos: La isla (Alejandro Doria, 1979), Los miedos (Alejandro Doria, 1980), Tiempo de revancha (Adolfo Aristarain, 1981) y Últimos días de la víctima (Adolfo Aristarain, 1982).
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5536
       
  • De música, propaganda y publicidad en el No-Do

    • Authors: Rafael Ángel Rodríguez López
      Pages: 273 - 290
      Abstract: Convertida ya en una disciplina artística de la comunicación audiovisual, la música se vuelve un instrumento imprescindible para la publicidad y promoción de una imagen, símbolo o concepto publicitario, ayudando a recordar rápidamente el mensaje propagandístico que al medio le interesa que tengamos siempre presente. Por ello, la cinematografía es uno de los espacios audiovisuales que más se beneficia de la utilización del binomio música-imagen como elementos de difusión. En el presente artículo, trataremos de explicar cómo el No-Do utilizó una de las técnicas audiovisuales más empleadas actualmente en el mundo publicitario, el Audio Branding. De este modo, desentrañaremos aquellos recursos formales que, desde un punto de vista musical, fueron utilizados para la promoción del No-Do en las cabeceras de sus Noticiarios. Analizaremos cómo los cambios que se produjeron en las imágenes de dichas cabeceras sufren modificaciones en pro de la conservación de la banda sonora compuesta por Manuel Parada de la Puente, siendo su música la responsable de la durabilidad de la marca No-Do en el tiempo.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5539
       
  • Rojo amanecer: el problema de la imagen de Tlatelolco 1968

    • Authors: Carlos Belmonte Grey
      Pages: 291 - 306
      Abstract: Este texto plantea una discusión en torno a la carencia de imágenes vehiculadoras de la memoria histórica de Tlatelolco 1968. A 50 años del 2 de octubre de 1968 en México no existen reconstrucciones iconográficas identitarias de un evento considerado coyuntural para el Estado moderno mexicano, como sí lo hay del considerado acontecimiento fundador del México moderno -la revolución mexicana de 1910- o del esplendor de la modernización -el cine del periodo de Miguel Alemán-. A partir de la película Rojo amanecer realizada por Jorge Fons y escrita por Xavier Robles y Guadalupe Ortega se puede problematizar este espectro visual y al mismo tiempo ubicarla como la ficción que aporta las imágenes referentes del acontecimiento, mas no se trata de imágenes cuya peso simbólico remite a una memoria inmediata ni formen parte de un discurso visual de la noche de octubre. Dicho espectro y carencia de vehiculación se debe, creemos, a la descomposición de la memoria de la tercera generación después del acontecimiento, un fenómeno que Marianne Hirsch ha llamado la posmemoria, una noción analítica para explicar el proceso de transmisión intra y transgeneracional y las barreras entre ellas.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5544
       
  • De guiones compartidos y otras ideas. Entrevista con Inés Bortagaray

    • Authors: David Vázquez Couto
      Pages: 307 - 313
      Abstract: Hace ya más de quince años que unos jóvenes cineastas dieron un giro inesperado al contexto cinematográfico uruguayo. Inés Bortagaray, figura clave del actual escenario cultural del país, formó parte de aquel fenómeno cuando, siendo estudiante de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Católica del Uruguay, compartió clases, conversaciones sobre cine y buenos momentos de aprendizaje con un grupo de amigos que trastocarían el establishment del cine nacional afianzado durante años por la crítica conservadora. Inés Bortagaray nos habla de su etapa de formación personal y artística junto a aquel grupo de amigos, pero también del significado del guion, de su proceso creativo en la soledad y en la compañía del director o de otros guionistas, y en definitiva, de la autoría compartida en aras de algo mayor: el cine.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5533
       
  • La mirada incómoda. Entrevista a Ignacio Pardo

    • Authors: Sara Donoso
      Pages: 314 - 322
      Abstract: Ignacio Pardo (Lugo, 1947) forma parte del elenco de creadores gallegos que durante de década de los ochenta comienza a emplear nuevos equipos de producción de vídeo, abandonando el súper 8 y conformando un universo creativo que nace de manera autónoma y experimental. Es en este contexto de búsquedas cuando tendrá lugar el boom de la videocreación en Galicia, asomando un espacio de diálogo entre las artes que permitirá al vídeo esquivar los patrones establecidos y revisar anteriores modelos de producción. Ignacio Pardo es, además, uno de los artistas pioneros en emplear la imagen en movimiento a modo de extensión del lienzo y el primero también en atreverse a explorar el incipiente universo tecnológico de los noventa a través de la infografía y la animación digital.
      PubDate: 2019-01-27
      DOI: 10.24310/Fotocinema.2019.v0i18.5545
       
  • Fotografía de Casiano Alguacil. Monumentos artísticos de España.
           Reseña de Bernardo Riego Amézaga

    • Authors: Beatriz Sánchez Torija
      Pages: 323 - 325
      Abstract: Reseña  del libro de Beatriz Sánchez Torija (2018). Fotografía de Casiano Alguacil. Monumentos artísticos de España. Cuenca: Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha, Ediciones Universidad de Cantabria. Colección Enclaves Culturales.
      PubDate: 2019-01-27
       
  • Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción.
           Reseña de Alba Navarro

    • Authors: Santos Zunzunegui
      Pages: 326 - 328
      Abstract: Reseña del libro de Zunzunegui, Santos (2017). Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción. Madrid: Cátedra.
      PubDate: 2019-01-27
       
  • Adaptación 2.0. Estudios Comparados Sobre Intermedialidad. In honorem
           José Antonio Pérez Bowie. Reseña de María Victoria Alcala

    • Authors: Antonio Gil González; Pedro Javier Pardo (edit.)
      Pages: 329 - 331
      Abstract: Reseña del libro Antonio Gil González y Pedro Javier Pardo (edit.) (2018). Adaptación 2.0. Estudios Comparados Sobre Intermedialidad. In honorem José Antonio Pérez Bowie. Binges (Francia): Éditions Orbis Tertius
      PubDate: 2019-01-27
       
  • Goya en el audiovisual. Aproximación a sus constantes narrativas y
           estéticas en el ámbito cinematográfico y televisivo. Reseña de Ana
           Asión Suñer

    • Authors: Francisco Javier Lázaro Sebastián Fernando Sanz Ferreruela
      Pages: 332 - 334
      Abstract: Reseña del libro de Francisco Javier Lázaro Sebastián y Fernando Sanz Ferreruela, (2017). Goya en el audiovisual. Aproximación a sus constantes narrativas y estéticas en el ámbito cinematográfico y televisivo. Zaragoza: Prensas de la Universidad de Zaragoza, Colección: De Arte, n.º 10
      PubDate: 2019-01-27
       
  • El efecto Sherlock Holmes. Variaciones de la mirada de Manet a Hitchcock.
           Reseña de Alba Navarro

    • Authors: Victor Stoichita
      Pages: 335 - 337
      Abstract: Reseña del libro de Stoichita, Victor (2018). El efecto Sherlock Holmes. Variaciones de la mirada de Manet a Hitchcock. Madrid: Cátedra.
      PubDate: 2019-01-27
       
  • Cine desde las dos orillas: directores españoles y brasileños. Reseña
           de Virginia Sánchez Rodríguez

    • Authors: María Marcos Ramos (ed.).
      Pages: 338 - 343
      Abstract: Reseña del libro Cine desde las dos orillas: directores españoles y brasileños. Santiago de Compostela: Andavira Editora
      PubDate: 2019-01-27
       
 
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