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Publisher: SciELO   (Total: 680 journals)

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  This is an Open Access Journal Open Access journal
     ISSN (Print) 1517-7599
     Published by SciELO Homepage  [680 journals]
  • Review: Paul McCartney grinds pepper in The Lives of John
           Lennon
    by Albert Goldman; behind the scenes with the Sgt.
           Pepper's Lonely Hearts Club Band

    • Abstract: Resenha sobre o capítulo Paul grinds pepper do livro The Lives of John Lennon (1988) de Albert Goldman, que traz dados relevantes, pouco conhecidos e polêmicos sobre os bastidores do disco LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lançado pelos Beatles em 1967 e o disco compacto com as faixas Penny Lane e Strawberry Fields forever, também lançado em 1967. Traz também o contexto histórico que precedeu a mudança estética mais radical da carreira dos Beatles, especialmente as gravações dos discos Rubber soul (1965) e Revolver (1966).Review of the chapter Paul grinds pepper from the book The Lives of John Lennon (1988) by Albert Goldman, which brings relevant, lesser known and controversial data on the LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band released by the Beatles in 1967, and also the compact disc with the tracks Penny Lane and Strawberry Fields forever, also released in 1967. It also brings the historical context of the most radical aesthetic turn in the career of the Beatles, especially the recordings of Rubber soul (1965) and Revolver (1966).
       
  • The anonymous collective and the network/conspiracy of genres:
           plural subjectivations and intertextuality in 1960's Brazil

    • Abstract: Este ensaio destaca a pouco compreendida pluralidade de gêneros musicais na MPB e na Tropicália da década de 1960, relacionando-a aos abalos vividos no período. Tal pluralidade de gêneros é inédita em um conjunto unitário de práticas na história da música popular brasileira, e argumenta-se que seu surgimento em momento marcado pela busca de participação nas decisões nacionais e diálogo, por parte das populações mais amplas, é significativa. Nesta pesquisa etnomusicológica, gêneros musicais foram compreendidos como discursos e diferentes gêneros foram percebidos como os discursos de diferentes grupos sociais e culturais. Investigando este fenômeno através do conceito de intertextualidade, analisou-se como identidades culturais erigidas em torno de gêneros delimitados foram desconstruídas pela ruptura de fronteiras entre os gêneros. Um sujeito plural emergiu deste processo, desafiando pares binários mutuamente excludentes.This paper highlights the scarcely understood plurality of genres in 1960s MPB and Tropicália, correlating it to the decade's upheavals. Such plurality of genres is unprecedented in a single set of practices in the history of Brazilian popular music, and the paper argues that its appearance in a moment marked by the broadest population's search for decisory participation and dialogue is significant. In this ethnomusicological research, music genres were taken as discourses, and different genres were perceived as the discourses of different social and cultural groups. Investigating this phenomenon through the concept of intertextuality, I analyzed how cultural identities built around delimited genres were deconstructed by the rupture of the frontiers between genres. A plural subject emerged from this, challenging binary, mutually excluding pairs such as militancy/ aesthetics, nationalism/ transnationalism, MPB/Tropicália.
       
  • A proposal for the discussion of theoretical and methodological
           questions in the study of rock nacional argentino

    • Abstract: Este ensaio destaca a pouco compreendida pluralidade de gêneros musicais na MPB e na Tropicália da década de 1960, relacionando-a aos abalos vividos no período. Tal pluralidade de gêneros é inédita em um conjunto unitário de práticas na história da música popular brasileira, e argumenta-se que seu surgimento em momento marcado pela busca de participação nas decisões nacionais e diálogo, por parte das populações mais amplas, é significativa. Nesta pesquisa etnomusicológica, gêneros musicais foram compreendidos como discursos e diferentes gêneros foram percebidos como os discursos de diferentes grupos sociais e culturais. Investigando este fenômeno através do conceito de intertextualidade, analisou-se como identidades culturais erigidas em torno de gêneros delimitados foram desconstruídas pela ruptura de fronteiras entre os gêneros. Um sujeito plural emergiu deste processo, desafiando pares binários mutuamente excludentes.This paper highlights the scarcely understood plurality of genres in 1960s MPB and Tropicália, correlating it to the decade's upheavals. Such plurality of genres is unprecedented in a single set of practices in the history of Brazilian popular music, and the paper argues that its appearance in a moment marked by the broadest population's search for decisory participation and dialogue is significant. In this ethnomusicological research, music genres were taken as discourses, and different genres were perceived as the discourses of different social and cultural groups. Investigating this phenomenon through the concept of intertextuality, I analyzed how cultural identities built around delimited genres were deconstructed by the rupture of the frontiers between genres. A plural subject emerged from this, challenging binary, mutually excluding pairs such as militancy/ aesthetics, nationalism/ transnationalism, MPB/Tropicália.
       
  • Memórias de Marta Sodré: Edu Lobo e Gianfrancesco
           Guarnieri

    • Abstract: Nos anos de 1960, Edu Lobo era reconhecido pela preocupação estética e social em sua música. Os elementos para elaboração destas composições eram oriundos da música nordestina, da bossa nova e posteriormente da música "erudita". A partir de alguns conceitos de hibridismo, buscou-se entender as fontes musicais reelaboradas por Edu Lobo, mais especificamente na canção Memórias de Marta Saré (1968 - Edu Lobo e Gianfrancesco Guarnieri). O resultado deste estudo revela que as hibridações elaboradas nesta canção evidenciam alguns aspectos que explicam a singularidade do compositor, além de mostrar como os próprios conceitos de hibridismo se misturam nesta obra, cuja partitura está publicada às p.159-166 nesse número 30 de Per Musi.In the 1960s Edu Lobo was recognized through aesthetic and social concerns in his music. The elements in the preparation of these compositions came from Brazilian Northeastern's music, bossa nova and later on from "classical" music. Dealing with some concepts of hybridism, we sought to understand the musical sources developed by Edu Lobo, specifically in the song Memórias de Marta Saré (Marta Saré's Memories, 1968 - Edu Lobo and Gianfrancesco Guarnieri). The result of this study shows some aspects that explain the uniqueness of the composer, the hybrids produced by him, and also how the very concepts of hybridism blend in this piece, which score is published on pp.159-166 in this Per Musi issue.
       
  • The non-tonal construction in the song Jóia by Caetano
           Veloso

    • Abstract: Estudo sobre a relação entre o texto linguístico e o texto musical na canção Jóia de Caetano Veloso. São analisados os procedimentos composicionais não tonais presentes na obra em consonância com o sentido de sua letra. Este estudo faz parte de uma pesquisa mais ampla que analisou canções populares em que o plano harmônico se distanciava da tonalidade.Study about the relation between the poetical and the musical text in the song Jóia by Brazilian singer-composer Caetano Veloso. The non-tonal compositional procedures are analyzed in accordance to the lyrics' meaning. This study is part of a larger research project concerning popular songs in which harmony was distanced from tonality.
       
  • &rft.title=Per+Musi&rft.issn=1517-7599&rft.date=&rft.volume=">Odeon: arranjo na forma AA' BB' A'" CC' C"C'" conforme
           gravação no disco de A a Z (1995)

    • Abstract: Este artigo pretende investigar como Olmir Stocker (Alemão) realiza uma adaptação da linguagem do choro para a guitarra elétrica através da transcrição e análise do contraponto presente na faixa Odeon, gravada em seu disco De A a Z no ano de 1995. Com base na definição de gênero de Franco FABBRI (1982), verifica-se até que ponto o músico imprime inovações que não descaracterizam o choro e, com isso, contribui para o desenvolvimento de uma linguagem brasileira para a guitarra elétrica a partir de um gênero reconhecido como símbolo de brasilidade.This article intends to investigate how Olmir Stocker (Alemão) adapts the choro language to the electric guitar. We transcribe and analyze the counterpoint present on the track Odeon, recorded on his album De A a Z in 1995. Based on the definition of the musical genre put forth by Franco FABBRI (1982), we verify the degree to which the musician pushes for innovations that do not cause the choro to lose its distinctive character, thus contributing to the development of a Brazilian language for the electric guitar based on a genre recognized as a symbol of Brazilianness.
       
  • Marta Saré by Edu Lobo: hybrid
           memories

    • Abstract: Nos anos de 1960, Edu Lobo era reconhecido pela preocupação estética e social em sua música. Os elementos para elaboração destas composições eram oriundos da música nordestina, da bossa nova e posteriormente da música "erudita". A partir de alguns conceitos de hibridismo, buscou-se entender as fontes musicais reelaboradas por Edu Lobo, mais especificamente na canção Memórias de Marta Saré (1968 - Edu Lobo e Gianfrancesco Guarnieri). O resultado deste estudo revela que as hibridações elaboradas nesta canção evidenciam alguns aspectos que explicam a singularidade do compositor, além de mostrar como os próprios conceitos de hibridismo se misturam nesta obra, cuja partitura está publicada às p.159-166 nesse número 30 de Per Musi.In the 1960s Edu Lobo was recognized through aesthetic and social concerns in his music. The elements in the preparation of these compositions came from Brazilian Northeastern's music, bossa nova and later on from "classical" music. Dealing with some concepts of hybridism, we sought to understand the musical sources developed by Edu Lobo, specifically in the song Memórias de Marta Saré (Marta Saré's Memories, 1968 - Edu Lobo and Gianfrancesco Guarnieri). The result of this study shows some aspects that explain the uniqueness of the composer, the hybrids produced by him, and also how the very concepts of hybridism blend in this piece, which score is published on pp.159-166 in this Per Musi issue.
       
  • Electric guitar in the Brazilian choro: an analysis of
           Odeon by Ernesto Nazareth as recorded by Olmir Stocker
           (Alemão)

    • Abstract: Este artigo pretende investigar como Olmir Stocker (Alemão) realiza uma adaptação da linguagem do choro para a guitarra elétrica através da transcrição e análise do contraponto presente na faixa Odeon, gravada em seu disco De A a Z no ano de 1995. Com base na definição de gênero de Franco FABBRI (1982), verifica-se até que ponto o músico imprime inovações que não descaracterizam o choro e, com isso, contribui para o desenvolvimento de uma linguagem brasileira para a guitarra elétrica a partir de um gênero reconhecido como símbolo de brasilidade.This article intends to investigate how Olmir Stocker (Alemão) adapts the choro language to the electric guitar. We transcribe and analyze the counterpoint present on the track Odeon, recorded on his album De A a Z in 1995. Based on the definition of the musical genre put forth by Franco FABBRI (1982), we verify the degree to which the musician pushes for innovations that do not cause the choro to lose its distinctive character, thus contributing to the development of a Brazilian language for the electric guitar based on a genre recognized as a symbol of Brazilianness.
       
  • &rft.title=Per+Musi&rft.issn=1517-7599&rft.date=&rft.volume=">Odeon (1910) para violão solo: a partir da
           gravação do disco "Raphael Rabello & Dino 7 Cordas" (1991)

    • Abstract: Estudo comparativo entre os procedimentos composicionais de Ernesto Nazareth (1863-1934) no original de Odeon para piano de 1910 (NAZARETH e MAURÍCIO, 1968) e as práticas de performance e de arranjo pelo violonista de choro Raphael Rabello (1962-1995) no seu arranjo gravado em áudio comercial (NAZARETH e RABELLO, 1991) e em seu improviso gravado em vídeo não-comercial (RABELLO e NAZARETH, 1991). As análises das transcrições dessas gravações (NAZARETH e RABELLO, 2014; RABELLO e NAZARETH, 2014) revelam um tratamento livre da forma, alterações rítmicas, melódicas e harmônicas, e uma influência da linguagem idiomática do violão erudito e flamenco na performance de Raphael Rabello.Comparative study between the compositional procedures by Brazilian composer and pianist Ernesto Nazareth (1863-1934) in his landmark choro Odeon for piano from 1910 (NAZARETH and MAURÍCIO, 1968) and the performance and arrangement practices by Brazilian choro guitar player Raphael Rabello (1962-1995) in his recorded arrangement (NAZARETH and RABELLO, 1991) and his non-commercial video improvisation (RABELLO and NAZARETH, 1991). The analyses of the transcriptions of these recordings (NAZARETH and RABELLO, 2014; RABELLO and NAZARETH, 2014) reveal a free approach to the form, alterations of rhythm, melody and harmony and influence of the classical and flamenco guitar in Raphael Rabello's performance.
       
  • Improviso sobre Odeon de Ernesto Nazareth: a partir da
           gravação de vídeo não comercial de José Pascoal
           Guimarães em Belo Horizonte (1992)

    • Abstract: Estudo comparativo entre os procedimentos composicionais de Ernesto Nazareth (1863-1934) no original de Odeon para piano de 1910 (NAZARETH e MAURÍCIO, 1968) e as práticas de performance e de arranjo pelo violonista de choro Raphael Rabello (1962-1995) no seu arranjo gravado em áudio comercial (NAZARETH e RABELLO, 1991) e em seu improviso gravado em vídeo não-comercial (RABELLO e NAZARETH, 1991). As análises das transcrições dessas gravações (NAZARETH e RABELLO, 2014; RABELLO e NAZARETH, 2014) revelam um tratamento livre da forma, alterações rítmicas, melódicas e harmônicas, e uma influência da linguagem idiomática do violão erudito e flamenco na performance de Raphael Rabello.Comparative study between the compositional procedures by Brazilian composer and pianist Ernesto Nazareth (1863-1934) in his landmark choro Odeon for piano from 1910 (NAZARETH and MAURÍCIO, 1968) and the performance and arrangement practices by Brazilian choro guitar player Raphael Rabello (1962-1995) in his recorded arrangement (NAZARETH and RABELLO, 1991) and his non-commercial video improvisation (RABELLO and NAZARETH, 1991). The analyses of the transcriptions of these recordings (NAZARETH and RABELLO, 2014; RABELLO and NAZARETH, 2014) reveal a free approach to the form, alterations of rhythm, melody and harmony and influence of the classical and flamenco guitar in Raphael Rabello's performance.
       
  • Raphael Rabello's arrangement and improvisation on Odeon by
           Ernesto Nazareth

    • Abstract: Estudo comparativo entre os procedimentos composicionais de Ernesto Nazareth (1863-1934) no original de Odeon para piano de 1910 (NAZARETH e MAURÍCIO, 1968) e as práticas de performance e de arranjo pelo violonista de choro Raphael Rabello (1962-1995) no seu arranjo gravado em áudio comercial (NAZARETH e RABELLO, 1991) e em seu improviso gravado em vídeo não-comercial (RABELLO e NAZARETH, 1991). As análises das transcrições dessas gravações (NAZARETH e RABELLO, 2014; RABELLO e NAZARETH, 2014) revelam um tratamento livre da forma, alterações rítmicas, melódicas e harmônicas, e uma influência da linguagem idiomática do violão erudito e flamenco na performance de Raphael Rabello.Comparative study between the compositional procedures by Brazilian composer and pianist Ernesto Nazareth (1863-1934) in his landmark choro Odeon for piano from 1910 (NAZARETH and MAURÍCIO, 1968) and the performance and arrangement practices by Brazilian choro guitar player Raphael Rabello (1962-1995) in his recorded arrangement (NAZARETH and RABELLO, 1991) and his non-commercial video improvisation (RABELLO and NAZARETH, 1991). The analyses of the transcriptions of these recordings (NAZARETH and RABELLO, 2014; RABELLO and NAZARETH, 2014) reveal a free approach to the form, alterations of rhythm, melody and harmony and influence of the classical and flamenco guitar in Raphael Rabello's performance.
       
  • :+counterculture,+experimentation+and+the+music+industry+between+the+1960s+and+1970s+in+Brazil&rft.title=Per+Musi&rft.issn=1517-7599&rft.date=&rft.volume=">The case of the "Som Imaginário" band: counterculture,
           experimentation and the music industry between the 1960s and 1970s in
           Brazil

    • Abstract: A banda Som Imaginário surgiu no ano de 1969 com o intuito de acompanhar o músico Milton Nascimento em sua turnê na qual promovia seu álbum Milton (1970). Nos anos seguintes, o grupo pôde alçar vôos independentes que resultaram em três discos gravados pela Odeon em 1970, 1971 e 1973. Neste artigo, pretendemos articular a produção musical do grupo com o contexto da MPB no começo da década de 70, marcado principalmente pela ditadura em seu momento mais repressivo e pela consolidação da indústria fonográfica no país. No que se refere aos dois primeiros álbuns, ambos homônimos, nos deteremos nas letras das canções, que revelam os posicionamentos políticos e os valores culturais daquela geração dos anos de 1970, que sofria os efeitos da repressão ditatorial ao mesmo tempo em que recebia tardiamente as informações estrangeiras da contracultura e do movimento hippie. Musicalmente, consideraremos o álbum Matança do porco de 1973, totalmente instrumental, como um importante exemplo daquele momento histórico. Através da análise de sua produção e de sua estruturação composicional tentaremos levantar algumas questões, sobretudo aquelas que envolvem os conflitos e as acomodações dos elementos do nacional-popular e internacional - popular na sua criação e as condições da indústria fonográfica naquele período.The Brazilian band "Som Imaginário" was created in 1969 to accompany the musician Milton Nascimento on his tour the following year to promote his album Milton (1970). In the next years the group pursued independent projects, which resulted in three albums recorded for Odeon Label in 1970, 1971 and 1973. In this article, we articulate the group's musical production within the context of MPB (Música Popular Brasileira) in the early 1970s, marked mainly by the country's dictatorship in its most repressive period coupled with the consolidation of the country's music industry. Regarding the first two albums, which share the same title, we analyse the lyrics of the songs, which reveal political positions and cultural values of the 1970s generation, which suffered the dictatorial repression while receiving delayed information from foreign counterculture and the hippie movement. Musically, we consider the album Matança do Porco (Slaughtering the pig) from 1973, which is totally instrumental, as an icon of that historic moment. Through analysis of their production and their compositional structure we raise issues such as those involving conflicts and consolidation of national and international popular elements in its creation and the conditions of the recording industry during that period.
       
  • Terra dos Pássaros : permanence of counterculture
           elements in Toninho Horta's production of the 1970's

    • Abstract: Esse artigo apresenta uma análise da produção do compositor e instrumentista Toninho Horta, com enfoque em sua atuação ao longo dos anos 1970 e no processo de elaboração de seu disco inaugural, Terra dos Pássaros, lançado de forma independente, em 1979. Tendo como ponto de partida a MPB e os festivais da canção, em fins dos anos 1960, em um contexto marcado pelo regime autoritário e pela consolidação da indústria cultural, procuramos discutir a permanência de elementos ligados à contracultura na produção de Toninho Horta, perceptíveis em seu discurso, em seu processo criativo e no conteúdo de suas canções, durante os anos 1970. Levamos em consideração a correspondência entre sua concepção musical, ligada a uma dimensão lúdica e "informal", com outras produções, como a do chamado Clube da Esquina e do coletivo de poesia Nuvem Cigana, com os quais Toninho Horta estabeleceu relações. O estudo dessas produções pode contribuir para a compreensão de transformações da canção popular brasileira, durante os anos 1970.This article presents an analysis of the production of the composer and player Toninho Horta, with emphasis on his performance throughout the 1970's and on the process of elaboration of his inaugural record Terra dos Pássaros, which was released independently in 1979. Starting from MPB (Brazilian Popular Music) and the song festivals of the late 1960's, in a context marked by the politics of an authoritarian regime and by the consolidation of the cultural industry, we have attempted to discuss the permanence of elements of counterculture in the production of Toninho Horta. These elements were noticeable in the artist's creative discourse and in the content of his songwriting during the 1970's. We have taken into account the correspondence between his musical conception, linked to a ludic and informal dimension, and other productions such as Clube da Esquina and the poetry collective Nuvem Cigana, with which Toninho Horta established relationships. The study of these production shall contribute to the understanding of the transformations of Brazilian popular song during the 1970's.
       
  • :+Gal+Costa+and+the+Tropicalismo+in+the+feminine&rft.title=Per+Musi&rft.issn=1517-7599&rft.date=&rft.volume=">"I'm a 'gogoia' fruit, i'm a lass": Gal Costa and the
           Tropicalismo in the feminine

    • Abstract: Este artigo tem como principal objetivo discutir o fenômeno da performance musical a partir de uma imbricação de conceitos pertinentes à música, à antropologia e aos estudos de gênero e sexualidade. Defendendo a ideia de que a cantora Gal Costa desenvolveu um discurso performático - vocal e corporal - devidamente afinado aos propósitos tropicalistas, analiso as possibilidades de uso do corpo para a produção de imagens performáticas que incitam ao debate acerca das possíveis intersecções entre música, erotismo e sexualidade. Ao dialogar com a obra de autores como Clifford Geertz, Terence Turner, Mary Douglas, Marcel Mauss, Judith Butler e George Bataille, pretendo contribuir com uma revisão crítica do Tropicalismo na qual a interpretação musical e as técnicas corporais ocupam o centro da discussão. A intenção é propor uma problematização das subjetividades envolvidas no processo de construção performática que é fabricado no corpo do cantor.This study aims at discussing the phenomenon of musical performance considering an overlap of relevant concepts from music, anthropology and gender and sexuality studies. Departing from the idea that Brazilian singer Gal Costa developed a performative discourse - vocal and corporal - properly tuned to the tropicalistas purposes, I analyze the possibilities of using the body to produce performative images that brings up the discussion about the possible intersections between music, eroticism and sexuality. In a dialogue with the work of authors such as Clifford Geertz, Terence Turner, Mary Douglas, Marcel Mauss, Juduth Butler and Georg Bataille, I hope to contribute to a critical review of Tropicalismo, in wich the musical interpretation and corporal techniques occupy the center of the discussion. The objective is to propose a debate about the subjectivity involved in the performative process that is fabricated on the singer's body.
       
  • Charly's angels: between the idealized ser nacional of
           the Argentine Proceso and the demythologized ser nacional of
           Argentine Rock

    • Abstract: Desde su inicio, la dictadura argentina que se auto-denominó el Proceso de Reorganización Nacional se propuso la consolidación de un único ser nacional, una identidad nacional compartida por todos los argentinos, que se basaba en una exagerada e idealizada visión de la tradición hispánica de la figura heterosexual masculina fuerte y la figura femenina sumisa y obediente. En sus declaraciones y comunicados oficiales, el Proceso intentaba la reinstauración de valores correspondientes a un pasado imaginado, que constituía casi una caricatura de ideales clásicos como el "ángel del hogar" y el "código de honor". Pero esta represiva maquinaria censora y propagandista vio su contrapunto en otra "máquina": nace en los mismos días que el Proceso una banda de rock del músico Charly García llamada La Máquina de Hacer Pájaros. El discurso poético de La Máquina contradecía sutilmente el discurso del régimen, en momentos en que era sumamente peligroso disentir. En este trabajo se analiza el discurso del ser nacional ideal, que el régimen militar intentaba imponer por la fuerza, en contraste con el ser nacional real que contraponían las letras de las canciones de Charly García. En contra del rol tradicional de esposas e hijas obedientes que se bombardeaba desde el discurso oficial, en las canciones de La Máquina de Hacer Pájaros, las mujeres eran protagonistas: heroínas, diosas, y bailarinas. En lugar del "ángel del hogar" que proponía el Proceso, los "ángeles" en las canciones de García son las mujeres independientes del siglo XX.From its very beginning, the Argentine Proceso dictatorship ("Proceso de Reorganización Nacional") of 1976-1983 proposed a single "Argentine Way of Life" ("ser nacional argentino"), a national identity to be shared by all Argentines, which was based on an exaggerated ideal of the Hispanic tradition: a strong heterosexual masculine figure and a submissive and obedient female figure. In its declarations and official communiqués, the Proceso regime attempted to recreate an imaginary past, which amounted to a caricature of classic ideals such as the "Angel of the home" ("Angel del hogar"), and the "Latin Honor Code". But this repressive machinery of censorship and propaganda was countered by another "machine," a rock band headed by Charly García called La Máquina de Hacer Pájaros. The poetic discourse of the La Máquina subtly contradicted that of the regime, at a time in which any dissent was extremely dangerous. In this study, we shall analyze the monolithic and idealized discourse of the ser nacional, which the regime imposed, in contrast to the more realistic and polyphonic vision of national identity as seen in the lyrics of Charly García's songs. Whereas the regime bombarded Argentines with rhetoric about obedient wives and daughters, in La Máquina songs, women are protagonists: heroines, goddesses, and dancers. García replaces the nineteenth-century "Angel of the home" proposed by the regime with his own angels: the independent women of the twentieth century.
       
  • Beyond the music: rethinking Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
           Band

    • Abstract: A discussão crítica sobre o Sgt. Pepper's Lonely Hearts ClubBand tem sido consistentemente consolidada em relação à importância do álbum, especialmente em relação às inovações musicais e maneiras com que mudou a cultura do rock. Quando se menciona a capa do álbum, esta é analisada em termos de sua relação simbólica com o conteúdo das inovações musicais do disco. Entretanto, teóricos como Kenneth Womack e Todd F. Davis examinaram a relação dos Beatles com a teoria crítica, enquanto que Ian Inglis explora o trabalho cultural contido nas capas dos álbuns dos Beatles. Ao invés de tratar da relação música e imagem, este artigo busca expandir a discussão além de seu valor para a música popular, focando em três contextos visuais: pop art, fotomontagem e a história do design em capas de álbuns. Defendo, no presente artigo, que Sgt. Pepper marca uma mudança na maneira como a imagem da banda desempenha uma crítica auto-reflexiva, tanto por meio do conteúdo visual da imagem quanto nos processos pelos quais foi criada, o que faz a capa do álbum transcender um simples bem de consumo ou uma embalagem exótica. A confluência entre pop art e fotomontagem e permeia essa discussão, uma vez que ambos movimentos estão engajados com a questão da representação e o status quo por meio da apropriação de imagens da comunicação de massa.The critical discussion of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band has consistently been framed in terms of its importance as a record album. That is, remarks about its musical innovations and the ways it changed the culture of rock music dominate the conversation. When the album cover is mentioned, it is analyzed in terms of the symbiotic relationship it has with the musical innovation of the album itself. However, the discussion is changing; theorists Kenneth Womack and Todd F. Davis have examined the Beatles' relationship to critical theory, and music critic Ian Inglis explores the cultural work of the Beatles' album covers. Yet much of this criticism still focuses primarily on the relationship between music and image. In this paper I expand the discussion beyond its value to popular music and consider the album cover in three visual contexts: Pop Art, photomontage, and the history of album cover design. I argue that Sgt. Pepper marks a shift in how the image of the band performs a self-reflexive critique, both through the visual content of the image as well as the processes by which it was created. This destabilizes the album cover as a mere commodity or extraneous packaging. The confluence of Pop Art and photomontage enhances the critique, for these movements fundamentally engage with problematizing representation and the status quo through the appropriation of mass - mediated images.
       
  • Novena (1964): baseado na gravação do disco Angelus de
           Milton Nascimento (1993)

    • Abstract: Análise de Novena, canção de 1964 que inaugurou a carreira de compositores da dupla do então cantor-instrumentista Milton Nascimento e do letrista Márcio Borges. O contexto histórico, especialmente a partir de depoimentos dos dois artistas (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) e elementos melódicos, harmônicos e da relação texto-música da canção, percebidos na transcrição da única gravação de Milton Nascimento (NASCIMENTO e BORGES, 1993), apontam para a síntese de uma estética que se consolidou no Clube da Esquina, cujos membros desenvolveram carreiras com perfis ecléticos e uma linguagem musical estilisticamente híbrida.Analysis of Novena, a song from 1964 that launched the career, as composers, of the singer-instrumentalist Milton Nascimento and lyricist Márcio Borges. The historical context, especially that told by the artists (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) and melodic, harmonic and text-painting elements, observed in the transcription of the only and late recording by Milton Nascimento (NASCIMENTO and BORGES, 1993) point out to a synthesis of an aesthetics that consolidated into the Brazilian Clube da Esquina (Corner's Club), whose members developed careers of eclectic profiles and a stylistically hybrid musical language.
       
  • Flèche d'Or Django Reinhardt: gravação de 30 de
           janeiro de 1952(Decca)

    • Abstract: Transcrição e análise do solo de Django Reinhardt na música Flèche d'Or, de sua autoria. Os aspectos estruturais e harmônicos desta obra, gravada em janeiro de 1952, revelam forte semelhança com Milestones de Miles Davis, gravada em 1958, que é a aceita como a primeira do jazz modal. O artigo apresenta, também, uma transcrição dos acentos e deslocamentos feitos pelo baterista Pierre Lemarchand, para demonstrar um erro de compasso que pode ser explicado pelo caráter inédito deste tipo de forma musical no jazz da época. A análise revela no solo de Django, uma abordagem outside tanto em termos harmônicos quanto rítmicos.Transcription and analysis of Django Reinhardt's solo on his own composition, Flèche d'Or. The structural and harmonic aspects of this work, recorded in 1952, show great similarities with Milestones (1958) by Miles Davis, a well-known work generally accepted as the first example of the so called modal jazz. This article also presents a transcription of the accents and displaced rhythms performed by the drummer Pierre Lemarchand, in order to demonstrate a measure mistake that could be caused by the recent novelty of this kind of musical form in jazz. The analysis of the solo reveals an "outside" approach by Django as far as the harmony and rhythm are concerned.
       
  • Novena (1964) by Milton Nascimento and Márcio
           Borges
    : hybridism in the compositional premiere of Clube da
           Esquina

    • Abstract: Análise de Novena, canção de 1964 que inaugurou a carreira de compositores da dupla do então cantor-instrumentista Milton Nascimento e do letrista Márcio Borges. O contexto histórico, especialmente a partir de depoimentos dos dois artistas (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) e elementos melódicos, harmônicos e da relação texto-música da canção, percebidos na transcrição da única gravação de Milton Nascimento (NASCIMENTO e BORGES, 1993), apontam para a síntese de uma estética que se consolidou no Clube da Esquina, cujos membros desenvolveram carreiras com perfis ecléticos e uma linguagem musical estilisticamente híbrida.Analysis of Novena, a song from 1964 that launched the career, as composers, of the singer-instrumentalist Milton Nascimento and lyricist Márcio Borges. The historical context, especially that told by the artists (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) and melodic, harmonic and text-painting elements, observed in the transcription of the only and late recording by Milton Nascimento (NASCIMENTO and BORGES, 1993) point out to a synthesis of an aesthetics that consolidated into the Brazilian Clube da Esquina (Corner's Club), whose members developed careers of eclectic profiles and a stylistically hybrid musical language.
       
  • Editorial

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  • Flèche d'Or by Django Reinhardt: why was
           it not heard?

    • Abstract: Este artigo apresenta uma revisão sobre aspectos históricos das circunstâncias em que foi gravada a música Flèche d'Or de Django Reinhardt, e como o músico francês era visto pelos críticos da época, nos Estados Unidos e na Europa. A partir da caracterização desta música como um claro exemplo anterior do que fora considerado como estopim do jazz modal em Miles Davis, levanta-se a questão: porquê ela não foi ouvida?This article presents a criticism on historic aspects of the environment around the session of the tune Flèche d'Or by Django Reinhardt, and how critics considered the French musician at his time, both in America and Europe. After the demonstration that this piece is a true earlier example of what was considered the flame of the so called "modal jazz" with Miles Davis, the question takes place: Why was it not heard?
       
  • Django Reinhardt's solo on Flèche d'Or

    • Abstract: Transcrição e análise do solo de Django Reinhardt na música Flèche d'Or, de sua autoria. Os aspectos estruturais e harmônicos desta obra, gravada em janeiro de 1952, revelam forte semelhança com Milestones de Miles Davis, gravada em 1958, que é a aceita como a primeira do jazz modal. O artigo apresenta, também, uma transcrição dos acentos e deslocamentos feitos pelo baterista Pierre Lemarchand, para demonstrar um erro de compasso que pode ser explicado pelo caráter inédito deste tipo de forma musical no jazz da época. A análise revela no solo de Django, uma abordagem outside tanto em termos harmônicos quanto rítmicos.Transcription and analysis of Django Reinhardt's solo on his own composition, Flèche d'Or. The structural and harmonic aspects of this work, recorded in 1952, show great similarities with Milestones (1958) by Miles Davis, a well-known work generally accepted as the first example of the so called modal jazz. This article also presents a transcription of the accents and displaced rhythms performed by the drummer Pierre Lemarchand, in order to demonstrate a measure mistake that could be caused by the recent novelty of this kind of musical form in jazz. The analysis of the solo reveals an "outside" approach by Django as far as the harmony and rhythm are concerned.
       
 
 
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